贝多芬《庄严弥撒》

夜之子

《庄严弥撒曲》人与神的对话

贝多芬开始写《庄严弥撒曲》是在1819年，原打算在鲁道夫大公的就职庆典上演奏，典礼定于1820年3月9日在科隆大教堂举行，但是当1823年这个曲子写完的时候，就职仪式早就结束了。
　　写得如此之慢有几个原因，一是生活不断的麻烦，影响了一个音乐家的正常写作。二是在1815到1826年的这段时间，贝多芬的创作转入了一向所说的“第三阶段”，他的新想法层出不穷、新乐思也不断地涌现，派生出大量重要的作品；其中包括最后的5首钢琴奏鸣曲和最后的6首弦乐四重奏，以及《第9交响曲》！
　　第三个原因是他对这首“宗教音乐”的极端的重视，达到了殚精竭虑乃至狂热的程度。他闭门塞听地反复推敲，大量研究前人的宗教音乐，音乐语言之丰、用法之特异，是音乐史里的奇观。而且贝多芬最终放弃了时效性，专注于作品本身，不断地扩大这个曲子的“体积”。
　　然而《D大调庄严弥撒曲》并不像《第9交响曲》那样被普遍认同，但专家的关注更多是落在了这部弥撒曲上；当中有宗教和政治的原因，也有研究者们的好奇心，因为人们到现在也弄不清贝多芬真正的宗教态度。
　　英国著名的音乐评论家托维·唐纳德爵士似乎发现了关键，他说；“贝多芬先是用铺天盖地的神性的荣耀淹没了我们，接着就用他的永志不忘和随时随地的人性的虚无做出了对应……”《庄严弥撒曲》的群山里到处是宏伟、壮丽的峰峦，且飘逸着灵动的神性，思想家的贝多芬，在其他音乐家们难以启及的高度上对全人类发布出了大灾难的预言。
　　“全能的父”、“真神”、“从天而降”、“审判活人”、“等待复活”……贝多芬给这些带有威力的字眼儿定了极高的音调，合唱强烈、严厉而无情，声势浩大的乐队前来助威，形成了有力的共鸣。在这里，贝多芬用极度紧张的结构，暗示出人类没有尽头的痛苦……
　　《慈悲经》是《庄严弥撒曲》的第一个乐章，也是一个“平常”和“相当平缓”的乐章，具有完美的巴赫式的平衡和莫扎特式优雅的美感，甚至每一个细节都很精致。开宗明义，贝多芬就把“虔诚”和“美”联在了一起，也拉近宗教和艺术的关系。在第四乐章的《圣哉经》，那儿间或还有一些更彻底“宁静”的小段值得注意；那几乎是“神秘”的人格化的、自然而然的、非宗教化的、近乎是无忧无虑、漫无意识的颂赞……那又是贝多芬随意的絮语、无对象的倾谈，像一个垂暮的老人、或是一个睡熟了的孩子，唠唠叨叨地唠叨了好大一段……
　　然而他终究是这样写了……灵魂的纯净、品性的无伪，竟然在这种“神圣”的体裁里和这种“庄严”的政治场合上任意的恣肆、一览无余。
　　开头是一反常态的“飘逸”，后面就埋伏着相反的东西———贝多芬的习惯———率性外表下面的对比原则；只是在《庄严弥撒曲 》里，这种对比表现得越发强烈。
　　先是“简明”———简明在第三乐章的《信经》里达到了极致。在“我相信圣灵”这几条基础的基督教信条里，有37个词，在“快，但不过分”的短短的22个小节里急速地飞掠了过去。大部分的词，独唱者只唱了一遍，合唱只是在背景里简单地一次又一次地大声疾呼：“我信、我信……”贝多芬就用这种匆匆的阵风和骤雨来表达人类对“信念”的诉求。
　　在今天，在深度的发掘之下，我们看到了“无常”的贝多芬在“自由”变化的外表下面总是牢牢掌握着一条强而有力的逻辑线，晚年的贝多芬更偏爱稳定、有序的赋格形式以抒发内心恬静的感恩心情，他善用这种可以无限、扩展、变化不尽的原本比较程序化的曲式，他可以根据需要“随意”地调配理性或是感情，或是用它神游一次天国、做一个梦……
　　“简明”，第四乐章《圣哉经》的开头部分仍旧是简明的，然而，这是贝多芬不加修饰的“自然”情感；这段刻意的“谦卑”置“神圣的荣耀”于不顾……平静、单纯。当3个行色匆匆的短句通过去之后，音乐悄悄地溜进了一个纯乐队的“乐章”；当“圣哉”再一次唤起的时候，音调就在贝多芬定名为《前奏曲》的管风琴声里低了下来。这是一段克尔曼称之为“即兴曲”的管风琴曲；蜿蜒舒缓、自然流畅，像溪流一样平静、肃穆、虔诚，带有一丝的“神秘”……
　　贝多芬对钢琴和弦乐器有明显的关注，有别于亨德尔之爱用号和巴赫喜欢管风琴；也不同于海顿和莫扎特，他们似乎更喜欢管乐器的音型……但我们不知道，为什么一个最有力量的人会偏爱这种敏感、纤细的声音？是听觉的迟钝使心灵更加敏感，还是这声音更贴近个人的、“隐私性”的宗教情感？ 于是，这把意尤未尽的提琴，就引出了一支极其冗长、絮烦的、18世纪中期歌剧的“咏叹调”来。

小楼

关于古典音乐。懂得不是蛮多。还请楼主多多指教