音乐知识篇（推荐所有人阅读）

admin

1楼：网络音乐的魅力

2楼：歌唱的艺术处理  

3楼：音乐基本类型

4楼：风采各异的演唱风格  

5楼：音乐文件基本格式

6楼：歌唱发声的基础知识与训练方法  

7楼：音频MIDI专业术语简介

8楼：歌唱发声练习及练习曲  

9楼：音乐制作软件大比拼

10楼：流行歌曲演唱的风格与技巧  

11楼：基本音乐名词解释

12楼：合唱知识  

13楼：中国古代乐器史（概述）

14楼：通俗唱法概述  

15楼：普通话发音方法

16楼：音频处理初步  

17楼：均衡器参数详解

18楼：音乐的基本表现手段  




网络音乐的魅力


　　 互联网大战硝烟未尽，数字音乐疆场又燃战火！MP4，呼唤知识产权的新希望；NAPSTER，肆意传播盗版被告上法庭；下载听歌，一元钱一首的新诱惑；网络原创音乐大赛，红红火火热闹非凡……一时间网络音乐开始被各种媒体纷纷暴炒开来。音乐借助网络的媒体优势迅速的传播和普及，网络利用音乐的多媒体技术吸引更广泛的注意力。让我们揭开网络音乐的神秘面纱，来展望它的神奇未来吧！
　　MP3，如今已成为最时尚的热门话题，细心的想想MP3的迅速普及的确离不开INTERNET的广泛传播。正是借助互联网的一臂之力才使MP3如鱼得水，处处都有它的身影。但不是每个人都象歌谜一样乐于享受这种科技的新成果，最倒楣的受害者恐怕就要算歌手和唱片公司了。INTERNET肆无忌惮复制和传播盗版音乐制品，歌手与公司的利益谁来维护？MP4的推出无意正中他们的意思，这种音乐格式不仅在不损伤音质的情况下具有更高的压缩比，而且使用了高超的加密手段，"数字水印"技术能方便的追踪和发现盗版行为，任何企图非法复制的操作都将引起原文件的损坏！真所谓魔高一尺，道高一丈。??正是因为MP3与盗版行为的不解之缘才会有NAPSTER这个福兮祸兮婴儿的呱呱坠地。这个MP3交换软件如今已成为美国大学校园的时尚宠儿，成千上万的大学生对它激动不已，疯狂的免费下载美妙的天籁之音。只要你上网，没有你找不到的MP3，而且全免费，这就是吸引力！NAPSTER利用它的强大搜索引擎，可以方便的查找所有安装了它的电脑上的MP3歌曲，然后别人的电脑就成了你下载的服务器，当然你自己的MP3文档也会被别人下载，互相交换，这样来收集音乐。NAPSTER的横空出世给校园网的畅通造成了严重的威胁，很多大学开始禁止学生使用它，不仅如此， NAPSTER这个只提供搜索与下载功能的第三方软件也卷入音乐版权纠纷之中，无数利益受损害的歌手看破了它的伎俩，联名将他告上法庭,可怜的NAPSTER正等待一个天文数字的赔款裁决，看来网络音乐也没有白吃的午餐啊。
??时过境迁，MP3现在到了江山难保的地步了，它的敌人不仅有MP4,其它的如WMA、VQF、REAL AUDIO也早对它虎视耽耽,他们各自施展出十八般武艺，使网络音乐格式呈现百花争鸣的局面。微软的WMA(WINDOWS MEDIA AUDIO)是一种具有更高压缩比例的新型音乐格式，它与MP3一样对版权要求并不严格，这无疑使其相比MP4来说更有利于在网上传播。推出已久的VQF和REAL AUDIO虽也有广阔的网络前景有待开发，但目前也举步为艰。前者为YAMAHA公司独家开发的高比例音频压缩技术，它18:1的效果让MP3叹为观止，而且音质极佳。但由于其市场宣传与第三方软件支持情况不够理想，使VQF总不能形成网络音乐的新气候，人们往往选择容量更大的MP3而不会选择VQF，甚至很多对MP3异常熟悉的用户竟不知VQF为何物。从VQF制作软件来说，更是SOUNDVQ PRODUCTOR一统天下的局面，这对普通用户制作VQF格式的音乐有很大的限制，导致VQF一直未能火暴起来。而REAL AUDIO虽打着专为在线收听"量身定做"的旗号却在国内的缓慢的网络速度面前无能为力，REAL NETWORKS公司也花足了心思来提供各种在线收听服务，但这些好像对国内狭窄的带宽来说意义都不大,我们只能听到断断续续的低劣音质，这就无疑造成REAL AUDIO在国内的低迷局面。
??在音乐传播方面，网络音乐的产生使其带有明显的互联网特征，可以从覆盖面广、传播速度快、互动性强等方面给予充分的肯定。现在的音乐人好像更希望通过网络来推广他们的作品。只需要一条电话线，在短时间里自己的音乐就能传遍全世界，这是传统唱片发行机制所不敢乞及的梦想。
??前些曰子，由"红色B52"和"兴网"各自举办的网络原创音乐大赛又为热闹的大陆网络音乐市场注入了活力，各地原创音乐人纷纷报名踊跃参加，力图通过网络这种新兴媒体更直接地展示自己的音乐才华、引起唱片公司的注意。这种音乐人与唱片公司的直接对话大大缩短了他们间的距离，有利于向市场推出更多的音乐人材，也有利于提高原创积极性。还有不少网站开出高价，向社会公开征集原创音乐作品，提高原创素质，呼唤网络社会的知识产权保护意识，他们借鉴MP3.COM的经营模式为原创音乐人提供网络销售与发展的契机，以求使网络音乐市场更加规范化。更有网站开网络音乐电子商务之先河，标榜出1元钱听一首歌的交易模式，通过下载收听让乐迷足不出户就可听到最快捷的第一手音乐资料，将正版音乐制品引入网络运作机制。
??网站竞争更是激烈。正当E-MUSIC、UBL等境外音乐网站争相斗艳之时，国内也冒出了象"音乐中国""网蛙"等后台实力强劲的大型音乐站点，提供详尽的快捷的音乐资讯服务，带来新鲜的视听感受，看来互联网成为这些音乐机构展示魅力的新舞台，建立音乐网站的强大攻势在国内展开了新一轮的诀逐。
??数字音乐制作领域趁着INTERNET之机蓬勃的发展，变孤军游散状态为集体作战模式，以"数字音乐实验室"为首的一大批国内电脑音乐技术类网站相继建立起来，无数音乐爱好者通过互联网的纽带交流技术、探讨心得，他们联合起来组织了音乐技术联盟, 共同克服技术上的难题，逐渐加强音乐意识的交流。数字音乐不再神秘，电脑音乐制作人不再孤独！另一方面,随着 PC的迅速普及与高速发展使过去众多只能在苹果机上使用的专业软件如今都在PC上露脸，CAKEWALK已成昨曰黄花，CUBASE、SAMPLITUDE、GIGASAMPLER才是强大动力！各大音乐软件公司当然不会放过PC的广阔市场与INTERNET的无限活力，纷纷在网上建立资源站，提供给用户更完善的服务。INTERNET正改变着从录音棚到唱片公司的传统制作发行模式，HOME STUDIO音乐工作室和高效、快捷的网络联系方式最终将成为主流，未来的制作、发行、宣传也许只依靠一两个人就能完成，这就是INTERNET的奇迹!
??如果说网络音乐发展还存在着最大的障碍，那一定就是带宽了。国外尚有类似Voquette.com的众多机构提供优质的网络广播服务，但国内网速的瓶颈却限制了这一音乐领域进一步快速的发展。在网络图形领域尚有FLASH成为宠儿，在网络音乐方面就只有MIDI进行对抗了，可惜MIDI文件的播放质量依靠波表音色库，不同的软硬件具有很大的差异。如果全世界的数字音乐家们能够再攻克下网络音乐传送速对烩个最大敌人的话，那网络音乐驰骋疆场，横扫千军万马的那一天指曰可待了！
??人类探索音乐的步伐不会停止，就像互联网技术的高速发展一样，真诚希望网络音乐一路走好，在未来的生活中带给我们更强烈的视听新感受！

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歌唱的艺术处理


　　歌唱是听觉艺术，它的艺术感染力最终要靠演唱来体现，歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的、甚至经典的歌曲的诗词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，脚踏实地地进行艰苦的艺术再创造活动。
　　 当你拿到一首歌曲时，在歌唱的二度创作过程中应注意以下几个艺术环节：

一、 内涵的理解

所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌曲，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情。一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每个音符之中，歌唱者需要认真地去发掘和领会。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深线，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。

二、 意境的想象

意境的想象，就是要尽量去启发音乐的想象力，演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象，在自己的头脑中化为一幅幅活动画面，把自己化为作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么你在表达时就会很真实和生动。想象和意境会很快帮助你确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公的形象来，歌曲的主人公形象完整、统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会达到情真意切。当然歌唱者解释音乐的能力，不是一曰之功，它是一种生活的积累，记忆的积累，情感的积累，这种积累越多，越丰富，“灵感”也越活跃，越丰富。因此作为歌者，应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的内涵。

三、 声音的运用

我们在演唱一首作品时，运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和设计的问题。作为歌者有了美妙的声音外，能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要，比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音，面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜蜜的声音等等。这里对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上；又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，我们要擅于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。

四、 风格的掌握

作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。我们常常听一些独唱音乐会的演出，有的人声音相当漂亮，发声技巧也很高超，但整台音乐会从中国民歌唱到欧洲的古典艺术歌曲，听起来声音上也好，力度上也好，韵味上也好，总是一个样，一个味，让人听了过耳即忘，缺少心灵的共鸣和艺术的回味，更有甚者太缺少艺术修养和文化修养，把各种风格的歌曲混淆在一起，使之南腔北调，南辕北辙，与原作差距甚远。造成这些现象的原因主要是歌唱者没有很好地在歌唱前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等进行细致的分析和了解，没有能恰如其分地用自己的歌唱技巧来表达作品的风格。因此歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格（也就是演唱风格）。当然与其它姐妹艺术相比，音乐的风格具有更多的抽象性。音乐是无形的时间艺术，而绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术，因而他们的风格往往比音乐更容易一目了然。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解和风格的把握，因为风格的形成，主要就是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来，能把音乐的全部涵义，让听众“一耳了然”的。

五、 韵味的体现

演唱的二度创作是一个复杂的劳动过程，它对演唱者的要求也是多方面的。好的演唱者不仅能准确地领会和传达歌曲的艺术意境，同时还能通过自己的再创造，挖掘歌曲里某些潜在的、甚至作曲家没有料想到的东西。一首作品，作曲家无法提供韵味，它必须由演唱者自己去体会和创造。好的歌者并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下工夫（腔也就是韵味），并用得恰到好处。在你唱熟了一首新歌后，根据语言的特点、感情的需要，就会自然而然地在音调的旋律音上增加一些其它的音，使之成为装饰音、颤音、滑音、倚音等，唱起来就会更加动人和自然，就更有味道和美感，这就是韵味给作品带来的新的生命力。

六、 艺术的处理

有了对歌曲的真情实感后，就应该对歌曲处理有一个全面的总体设想，这里包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的，歌曲的结构、曲体、调式旋律的起伏发展，直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示，它们可以指引歌者内在情绪的走向，找到全曲的高潮及歌曲的层次。在演唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性和歌唱性的区别，一首歌曲中强弱、轻重的变化，其中最关键的是要找到歌曲的高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则一个劲儿地强或一个劲儿地弱是达不到艺术效果的。处理歌曲时，画龙点睛的部分往往是一些重点句、字。重点的词句要在咬字吐字上、感情上予以强调，要一句一字地，甚至在一个经过音上深下功夫，反复练唱，认真寻味，找到最适宜的表现手法。也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱攻克难关，直到自己的处理化为真情的体现。

七、 忘我的演唱

唱歌要感动听众，首先要使自己处于兴奋而又激动的歌唱状态。“真真假假”是艺术表现的特定手法。“假”是为了表现“艺术的真”，“假”，是表现“真”的艺术技巧。真入假出而不失为真，才能发挥艺术的真实性和表现的真实性的统一，才能发挥艺术感染的强大作用。因此我们在演唱时一定要把握好这两者的关系，恰到好处地来表现艺术。在平常中，我们发现还有一些人在演唱时精神高度紧张，前怕狼后怕虎，满脑子私心杂念，这样的歌唱状态是绝对唱不好歌的，更不用说感动观众了。因此我们讲的“忘我的演唱”就是要演唱者丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满激情而又放松自如的状态进入演唱，要知道，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。歌唱艺术应该是“有声又有乐”。

八、 技术与艺术

技与艺，即声与情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体，二者不可分割。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的，绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体都要参加，而且包括你的灵魂。歌唱应成为诸种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术，就是说，只有声情并茂，技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术成果。声与情是辩证的统一，相辅相成。不论是专业歌唱者还是业余爱好者，在平时的训练中，要加强整体歌唱的意识，使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情成为一体，养成用心灵歌唱的习惯。

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音乐基本类型

希望对新人能有帮住.. 能早曰从菜鸟变成凤凰..!
（1、1）什么是 R&B？
R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般译作“节奏怨曲”或“节奏布鲁斯”。 广义上， R&B可视为“黑人的流行音乐”，它源於黑人的 Blues音乐，是现今西行流行乐和摇滚乐的基础， Billboard杂志曾介定 R&B为，所有黑人音乐除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可见 R&B的范围是多么的广泛。 近年黑人音乐圈大为盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，并且同时保存着不少 R&B成分。
（1、2）什么是HOUSE？
HOUSE是於八十年代沿自 DISCO发展出来的跳舞音乐。 这是芝加哥的DJ玩出的音乐， 他们将德国电子乐团Kraftwerk的一张唱片和电子鼓(Drum Machine)规律的节奏 及黑人蓝调歌声混音在一,House就产生啦~ 一般翻译为"浩室"舞曲,为电子舞曲最基本的型式,4/4拍的节奏, 一拍一个鼓声,配上简单的旋律,常有高亢的女声歌唱. DISCO流行后，一些DJ将它改变，有心将DISCO变得较为不商业化， BASS和鼓变得更深沈， 很多时变成了纯音乐作品，即使有歌唱部分也多数是由跳舞女歌手唱的简短句子，往往没有明确歌词。 渐渐的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群岛)、 RAP(说唱)或 JAZZ(爵士)等元素， 至八十年代后期， HOUSE冲出地下范围，成为芝加哥、纽约及伦敦流行榜的宠儿。
为什么会叫"House"呢?就是说只要你有简单的录音设备,在家里都做得出这种音乐~House也是电子乐中 最容易被大家所接受的.
Cher唱的Believe 就是个好例子.而M-People可说是House代表团体.House舞曲在1986年开始流行后,可说是取代了Disco音乐.
House可分为：
Acid House 也就是融合了TB-303的Acid声的House乐
Deep House 有着相当浓厚的灵魂唱腔,又叫作Garage,蛮流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage团体.
Hard House 简单来说,就是节奏较重,较猛的House.
Progressive House 这类House没啥灵魂唱腔,反而比较注重旋律和乐曲编排.有一 点像"演奏类"的House乐. 像SASH!的专辑It's My Life便是很好的Progressive House专辑.
Epic House 就是"史诗"House. Epic House有着优美,流畅的旋律和磅礴的气势, 很少会有vocal在里面(几乎是没有!). BT的音乐就是很棒的Epic House,而他也被称作"Epic House天皇". 其实连Rock也有"Epic Rock"
Trible House 想像一下:带有非洲原始风貌或是印地安人的鼓奏的House是啥样? 这就是Trible House~ 这种House除了有一般House稳定的节奏外,在每拍之间,会加入一些带有原始风貌,零碎的鼓点. 蛮有趣的~ 不过,House的范围太广了,大家也不用硬要把一首曲子分类.这些只是告诉大家,House很多种"而已。
到了九十年代， HOUSE已减少了那前卫、潮流色彩，但仍是很受欢迎的音乐。
[欧美音乐大家听]
（2、1）什么是Britpop？
Britpop虽有个“ Pop"字，但其实是 Rock的一种，源於九十年代英伦，中文可译为“英式摇滚”，这是英伦乐坛对美国 Grunge潮的一个回应，主要是以乐队形式出现。不过， Britpop风格其实十分广泛，如 Oasis是结他摇滚乐队， Blur则 Pop很多，而Pulp则接近 Glam Rook及跳舞风格，不过他们都被列作 Britpop。
英国 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead
（2、2）什么是 Trip-Hop？
Trip-Hop是英伦/欧洲跳舞音乐的一种，它的名字来源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因为它发源自英国的Bristol，因此最早时称作“Bristol Hip-Hop”。由于把把Hip-Hop（其实很多音乐都是架构在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他们多半是用Hip-Hop音乐来跳的。）节奏变慢（有时很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很阴沉，肥厚的Bass，轻微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取样，有时可能连唱片的杂音都会被“故意”取样进去。所谓“ Trip”，指迷幻，氤氲的药物【旅程】，所以， Trip-Hop是种慢板的迷幻的、有 Jazz感觉的、迷糊的、带点 Hip-Hop节奏的 Break beat音乐。它虽然隶属跳舞音乐类，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音乐所有的明确节拍特色相去很远。
外国 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公认的铁三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut
（2、3）什么是 Gangsta Rap？
Gangsta Rap是 Rap的一种，以 Rap的内容多与都市罪案有关，充满暴力、色欲感受，这是反映现实的一种音乐路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美国兴起，音乐Rap中的强悍尖锐派，在美国大受欢迎，唱片销路甚高。而不少 Gangsta Rap乐手本身真正“参与”现实中各式罪案，部分更因而入狱甚至死亡，可说是真正反映现实兼令人触目惊心的乐种。
Gangsta Rap化表组合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、 Geto Boys
（2、4）什么是 Synth Pop？
Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顾名思义， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮制出来的流行乐”，当然除 Synthesizers外还会用上其他电子乐器如电脑及鼓机等等。 Synth Pop於八十年代初期开始流行，至八十年代中开始沉寂，当年在香港也曾掀起过一阵热潮。Synth Pop的特点是科技感强，有时会颇冰冷，歌曲多是“三分钟流行曲”（3-minutes Pop），很多时 Synth Pop乐手会作入时打扮。
Synth Pop代表组合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan
（2、5）什么是 ORCHESTRA ？
ORCHESTRA就是管弦乐团，它分成四部分： 1弦乐，包括小提琴、大提琴等， 2铜管乐 3木管乐和 4敲击乐四组。弦乐组每种乐器有多人演奏（竖琴除外），四组演奏者由一人统筹兼领导，他就是乐团的指挥。ORCHESTRA於17世纪出现，到18世纪因海顿和莫扎特的作品而清楚地建立模式。19世纪加入了些新乐器，乐团人数加大。 ORCHESTRA是西方古典/正统音乐的正宗。西方流行/摇滚乐也经常运用 ORCHESTRA的部分或全部团员协助演出。
（2、6）什么是 CHAMBER POP？
CHAMBER POP是指典雅、高贵、精致的一种流行乐，它有一定的古典音乐感觉。 CHAMBER MUSIC一词来自古典音乐，中文叫“室内乐”，是种小组弦乐演奏曲式，气氛高雅。CHAMBER POP於九十年代兴起，是对当时的 LO-FI及 GRUNGE的一种反应，强调优美的旋律、精致的配乐、乾净的录音，每每多用弦乐、管乐制造巴洛克时代的音乐感觉。外国代表乐队有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港则有黄耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。
（2、7）什么是民歌（ FOLK）？
民歌（ FOLK） 原本是指每个民族的传统歌曲，每个民族的先民都有他们自原始/古代已有的歌曲，这些歌绝大部分都不知道谁是作者，而以口头传播，一传十十传百，一代传一代的传下去至今。不过今天我们所说的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木结他为伴奏乐器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家纯朴生活感受的那种歌曲。美国民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可说是最早的民歌唱片录音，所以普遍被认定是现代民歌（ FOLK）的祖师。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS继续推动这类音乐，六十年代越战，反战民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成为时代的呼声。後民歌向 POP、ROCK及都市化发展， BOB DYLAN发明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL发展出中产口味的都市 FOLK POP，风行一时。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一种更富现在都市感觉的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（当代） FOLK路线。民歌 （FOLK）在英国、香港等乐坛也发展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年较新的发展是与 NEW AGE结合（如 ENYA），及与 TRIP HOP结合）如 BETH ORTON）。
（2、8）什么是 BOSSA NOVA ？
BOSSA NOVA是种带 JAZZ味道的巴西音乐， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM将巴西音乐节奏与美国西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、轻松、懒洋洋、浪漫乃特色。每两个 BAR的第1、4、7、11、14拍为重拍。歌手 JOAO GILBERTO的纯厚歌声是 JOBIM音乐的出色拍档， 50年代中期传入美国後大受欢迎，其他着名 BOSSA NOVA乐手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最着名的歌曲为“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其馀年代亦不断有捧场者。
（2、9）什么是 CLASSICAL POP ？
CLASSICAL POP是指带古典响乐味道的流行曲，多用弦乐伴奏的歌曲都可列入此类，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲乐队 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此类。如果说 CLASSIC POP，则是指经典的流行曲。
（2、10）什么是ACAPPELLA ？
ACAPPELLA是指没有乐器伴奏的歌曲，但凡纯以人声唱的歌都是 ACAPPELLA，不过今天我们说 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那种唱法，连乐器伴奏都由人声唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即纯音乐乐曲，任何类型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA乐队有姬声雅士等。
（3、1）什么是 WORLD MUSIC？
WORLD MUSIC是西方角度观点的词汇，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音乐，通常指发展中地区或落後地区的传统音乐，例如非洲及南亚洲地区的音乐，有些地区如拉丁美洲的音乐，则能普及到自成一种类型。今天大家说的 WORLD MUSIC通常是指与西方音乐混和了风格的、改良了的传统地区音乐。非洲的 KING SUNNY ADE，东欧的DON BYRON，中国的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方乐迷较熟悉的 WORLD MUSIC乐手。
（3、2）什么是 DREAM-POP？
DREAM-POP是种“梦”般的流行曲，它有一种迷离的气氛，多*SYNTHESIZERS（电子合成器）造成，加了ECHO效果的电结他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸声重，歌词也往往有梦般的诗意色彩。代表乐队有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。中文歌手以王菲为首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。
（3、3）什么是 NEW AGE？
NEW AGE是种宁静、安逸、闲息的音乐，纯音乐作品占的比重较多，有歌唱的占较少。 NEW AGE可以是纯 ACOUSTIC（即以传统自发声乐器演奏）的，也可以是很电子化的，重点是营造出大自然平静的气氛或宇宙浩瀚的感觉，洗涤听者的心灵，令人心平气和。 NEW AGE很多时与音乐治疗有关，不少NEW AGE音乐说可以治病，也有不少与打坐冥想有关，这与 NEW AGE思潮哲学有莫大关系。 NEW AGE音乐通常被目为颇为中产阶级的音乐， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表乐手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。
（3、4）什么是Electrophonic Music？
何谓Electrophonic Music（电子音乐）？随着时代的演进，音乐家有了更多制作音乐的方法。所谓电子音乐，就是以电子合成器，音乐软体，电脑等所产生的电子声响来制作音乐。电子音乐范围广泛，生活周遭常常能听到，在电影配乐，广告配乐，甚至某些国语流行歌中都有用到，不过以电子舞曲为最。很多人认为电子乐是一种冷冰冰，没有感情的音乐。其实电子乐也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多种元素而充满情感的。
电子音乐的类型也是多种多样的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum'n'Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。
（3、5）什么是Techno ？
Technology， 即表示“高科技舞曲”啦！利用电脑，合成器合成，做出一些特殊音效，这种音乐常常是许多音效组合起来的。 Techno的节拍也是4/4拍,但速度较House快，且听起来具重复性，较强硬，较机械化，所以某些人称Techno为“工业噪音”，但某些还是会注重旋律的。 Techno起源于美国底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins尝试将电子乐与黑人音乐结合，而产生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常较平缓， 不像一般的Techno那样强劲，可说是现代Techno的起源。

（3、6）什么是Ambient ？
听起来起伏不大，但其实一直在做改变，像是长时间的音效， 或是渐进式的音乐编排等等，常会营造出有层次的空间感，所以被称为“情境音乐”， 且常对於生活周遭的声音做取样，如人声、汽车声，甚至是其他音乐的旋律……等等。为70年代的Brian Eno所创，是一种很“高深”的电子音乐。后来Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家从字面上就能了解，其实在很多种音乐中都会有Ambient的影子，甚至某些古典乐中 也有Ambient的味道。
（3、7）什么是Trance？
迷幻舞曲，由Techno演变而来，听了会让你有“出神”的感觉，但还是保有舞曲的律动，很注重Bass的表现，某些听了会有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍为主。不过我也有听过用Breakbeat的（下面会介绍）， 如Sven Vath的专辑Fusion。
（3、8）什么是Psychedelic Trance？
又名Goa Trance，发源于印度的一个小岛上。Goa即为这小岛的名字。旋律常带有印度风味。这类Trance的特徵，就是很重视旋律，音符之间的细微变化，且常有重叠的旋律，和高亢的TB-303声音出现。有点Ambient的味道。

（3、9）什么是Break beat？
不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那么规律，而是以破碎的节拍呈现，像是切分拍。如在两拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一个总称而已，有很多种音乐都属Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一种。
（4、1）什么是Big-Beat？
“大节拍”，把Brit-Hop变得更快，节奏更重，更有摇滚的味道，可说是将Brit-Hop改良后， 更成熟的一种曲风，你可以想像一下又重又碎，又有点快的节拍是什么样子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。
（4、2）什么是Drum N' Bass？
对某些人来说，Drum N' Bass的音乐可能很烦，因为Drum N' Bass很注重在节奏上玩花样，还有Bass的表现， 像是很快很快，复杂的碎拍，以及运用各种不同的电子鼓，或是取样而来的鼓声。因此Drum N' Bass也是Breakbeat的一种。4Hero为Drum N' Bass的知名乐团。
（4、3）什么是Jungle？
Jungle就是Drum N' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N' Bass快很多，而且节拍更为复杂，比较强悍，有时会搭配一些Rap，不像Drum N' Bass会融合一些Jazz、Soul等元素，听起来比较柔（当然这是和Jungle比起来）。连“摇滚变色龙” David Bowie现在都搞起Jungle了。
（4、4）什么是Electro？
早在70年代末，80年代初，那时还没有House、Techno……这类玩意儿，电子音乐也较不盛行，只有Electro这类电子音乐而已。 Electro可说是纯粹以电子合成器（Synthesizer，长得有点像Keyboard）来发声的音乐，通常蛮轻柔的，且常使用Roland公司的鼓机（Drum Machine）TR-808来发鼓声。德国的Kraftwerk乐团可算是代表。 现在的Electro音色比以前明亮，透明许多。后来一些DJ利用Electro变形成了一种Hip-Hop乐，被称作Old School。现在的Fatboy Slim（流线胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音乐中。
（4、5）什么是Dub？
Dub可说是将歌声抽离只剩下音乐的Reggae（瑞格，也有称之为雷鬼，一种很有节拍性，唱腔特别的南美黑人音乐）。而将Dub运用在电子乐上，则是将部份歌声抽离，将Bass和鼓声加重，并且加入大量的Echo（回音）等效果。这种技术常在现场表演时，将歌曲重新混音（Remix）呈现。像Massive Attack 的专辑Protection便由Mad Professor从Trip-Hop音乐混音成了Dub版本。
（4、6）什么是Chill Out？
这只是一种统称而已。在舞池旁边，常会有一个区域，或是小房间，里头会放一些较缓和，较平静的音乐，让舞客跳完舞后缓和情绪，休息一下，以放Ambient音乐为主，所以会叫“Chill Out”（冷却）就是这个缘故。The Orb可说是Chill Out音乐大师。
（4、7）什么是Minimalism？
这被翻译成“极小派乐风”，在Ambient和Techno的音乐中常听的到。带有Minimalism的曲子有着重复性的旋律，还有一种特别的律动，感觉上像一种特别的频率一样让你听了会有被催眠的感觉。Jeff Mills的作品就属于Minimal Detroit-Techno，带有相当的迷幻色彩。

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风采各异的演唱风格

一、 雅俗共赏的通俗演唱
1、 通俗演唱风格的起源
2、 “以情为主”是通俗演唱风格的主要特点。
3、 通俗演唱风格的技巧
(1） 采用轻声、气声唱法
(2） 节奏处理法
(3） 采用真声呼喊式的演唱方法
(4） 采用装饰音等手段
4、 通俗演唱风格的表现力
二、 多姿多彩的民族演唱
1、 民族演唱风格的起源
2、 “以字为主”是民族演唱风格的主要特点
3、 民族演唱风格的表现力
三、 规范严谨的美声演唱
1、 美声演唱风格的起源
2、 “以声为主”是美声演唱风格的最大特点
3、 美声演唱风格表现力

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音乐文件基本格式

经典的WAVE
WAVE文件作为最经典的Windows多媒体音频格式，应用非常广泛，它使用三个参数来表示声音：采样位数、采样频率和声道数。
声道有单声道和立体声之分，采样频率一般有11025Hz（11kHz）、22050Hz（22kHz）和44100Hz（44kHz）三种。WAVE文件所占容量=（采样频率×采样位数×声道）×时间/8（1字节=8bit）。
传统的MOD
MOD是一种类似波表的音乐格式，但它的结构却类似 MIDI，使用真实采样，体积很小，在以前的DOS年代，MOD经常被作为游戏的背景音乐。现在的MOD可以包含很多音轨，而且格式众多，如S3M、NST、669、MTM、XM、IT、XT和RT等。
电脑音乐MIDI
MIDI是Musical Instrument Data Interface的简称，它采用数字方式对乐器所奏出来的声音进行记录（每个音符记录为一个数字），然后，播放时再对这些记录通过FM或波表合成：FM合成是通过多个频率的声音混合来模拟乐器的声音；波表合成是将乐器的声音样本存储在声卡波形表中，播放时从波形表中取出产生声音。
龙头老大MP3
MP3可谓是大名鼎鼎，它采用MPEG Audio Layer 3 技术，将声音用 1∶10 甚至 1∶12 的压缩率压缩，采样率为44kHz、比特率为112kbit/s。
MP3音乐是以数字方式储存的音乐，如果要播放，就必须有相应的数字解码播放系统，一般通过专门的软件进行MP3数字音乐的解码，再还原成波形声音信号播放输出，这种软件就称为MP3播放器，如Winamp等。
网上霸主RA系列
RA、RAM和RM都是Real公司成熟的网络音频格式，采用了“音频流”技术，所以非常适合网络广播。在制作时可以加入版权、演唱者、制作者、Mail 和歌曲的Title等信息。
RA可以称为互联网上多媒体传播的霸主，适合于网络上进行实时播放，是目前在线收听网络音乐最好的一种格式。
高压缩比的VQF
VQF即TwinVQ是由Nippon Telegraph and Telephone同YAMAHA公司开发的一种音频压缩技术。
VQF的音频压缩率比标准的MPEG音频压缩率高出近一倍，可以达到1∶18左右甚至更高。而像MP3、RA这些广为流行的压缩格式一般只有1∶12左右。但仍然不会影响音质，当VQF以44kHz-80kbit/s的音频采样率压缩音乐时，它的音质会优于44kHz-128kbit/s的MP3，以44kHz-96kbit/s压缩时，音乐接近44kHz-256kbit/s的MP3。
迷你光盘MD
MD（即MiniDisc）是SONY公司于1992年推出的一种完整的便携音乐格式，它所采用的压缩算法就是ATRAC技术（压缩比是1∶5）。MD又分为可录型MD（Recordable，有磁头和激光头两个头）和单放型MD（Pre-recorded，只有激光头）。 强大的编辑功能是MD的强项，可以快速选曲、曲目移动、合并、分割、删除和曲名编辑等多项功能，比CD更具个性化，随时可以拥有一张属于自己的MD专辑。MD的产品包括MD随身听、MD床头音响、MD汽车音响、MD录音卡座、MD摄像枪和MD驱动器等。
音乐CD
即CD唱片，一张CD可以播放74分钟左右的声音文件，Windows系统中自带了一个CD播放机，另外多数声卡所附带的软件都提供了CD播放功能，甚至有一些光驱脱离电脑，只要接通电源就可以作为一个独立的CD播放机使用。
潜力无限的WMA
微软在开发自己的网络多媒体服务平台上主推ASF(Audio Steaming Format)，这是一个开放支持在各种各样的网络和协议上的数据传输的标准。它支持音频、视频以及其他一系列的多媒体类型。而WMA是Windows Media Audio的缩写，相当于只包含音频的ASF文件。WMA文件在80kbps、44kHz的模式下压缩比可达1∶18，基本上和VQF相同。而且压缩速度比MP3提高一倍。所以它应该比VQF更具有竞争力。
免费音乐格式Vorbis
为了防止MP3音乐公司收取的专利费用上升，GMGI的iCast公司的程序员开发了一种新的免费音乐格式Vorbis，其音质可以与MP3相媲美，甚至优于MP3。并且将通过网络发布，可以免费自由下载，不必担心会涉及侵权问题。但MP3在网上已经非常流行，微软的Windows Media技术也开始普及，Vorbis的前景还是不容乐观。
其它音频格式
AIF/AIFF： 苹果公司开发的一种声音文件格式，支持MAC平台，支持16位44.1kHz立体声。
AU： SUN的AU压缩声音文件格式，只支持8位的声音,，是互连网上常用到的声音文件格式，多由SUN工作站创建。
CDA： CD音轨文件。
CMF： CREATIVE 公司开发的一种类似MIDI的声音文件。
DSP： Digital Signal Processing（数字信号处理）的简称。通过提高信号处理方法，音质会极大地改善，歌曲会更悦耳动听。
S3U： MP3播放文件列表
RMI： MIDI乐器序列
有损压缩：
AAC： 在高比特率下音质仅次于MPC，在高比特率和低比特率下表象都很不错。就是编码速度太慢!
MPC： 低比特率下表现一般，不及Mp3Pro编码的MP3和OGG，高比特率下音质最好，编码速度快!
OGG： 低比特率下音质最好，高比特率同样也不错。编码速度稍慢。
MP3(MP3Pro)： 在低比特率下音质次于OGG，其他方面同MP3
WMA： 高低比特率下都一般，不支持VBR，最高192Kbit/s
无损压缩： FLAC： 压缩率在四个中最差，编码速度不错，平台支持很好。
PAC： 稍慢的编码速度，压缩率排第三，平台支持良好。
APE： 编码速度最快、最好的压缩率，平台支持一般。
WV： 编码速度非常快，压缩率在四个种排第二，仅支持Windows平台。

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歌唱发声的基础知识与训练方法


一、 歌唱发声器官的组成
声音的形成是发声器官协调工作产生的生理现象，这个现象的产生是气息运动和声带振动所形成的物理现象，但歌唱的发声运动又和我们平时说话的发声有所不同，因而歌唱发声又是一个物理的声学、音响学现象。而进行歌唱艺术实践又是一个复杂丰富的心理活动过程，因此我们的歌唱运动可以说是生理、物理、心理“三位一体”的行为。歌唱的发声器官是由呼吸器官、发音器官、共鸣器官和咬字器官四个部分组成，它们是歌唱发声的全部物质基础，是歌唱发声运动中的主要功能系统。
1、 呼吸器官
呼吸器官，即“源”动力，是由口、鼻、咽喉、气管、支气管、肺脏以及胸腔、膈肌（又称横膈膜）、腹肌等组成。气息从鼻、口吸入，经过咽、喉、气管、支气管，分布到左右肺叶的肺气泡之中（肺中由两个叶状的海绵组织的风箱构成，它包含了许许多多装气的小气泡）；然后经过相反的方向，从肺的出口处分支的气管（支气管）将气息汇集到两面三刀个大气管，最后形成一个气管，再经过咽喉从口、鼻呼出。与呼吸系统相关的各肌肉群，他们的运动也关系到呼吸的能力，是歌唱“源”的动力和能量的保证。我们曰常的呼吸比较平静，比较浅，用不着使用全部的肺活量，但歌唱时的呼吸运动就不同了，吸气动作很快，呼气动作很慢。如果遇上较长的乐句，气息就必须坚持住。而一首歌曲的高、低、强、弱、顿挫、抑扬变化，也全靠吸气、呼气肌肉群的坚强和灵活的运动才能完成。
2、 发声器官
发声器官，即发出声音的器官。它包括喉头、声带。喉头是一个精巧的小室，位于颈前正中部，由软骨、韧带等肌肉组成。声带位于喉头的中间，是两片呈水平状左右并列的、对称的又富有弹性的白色韧带，性质非常坚实。声带的中间又称声门，声带是靠喉头内的软骨和肌肉得到调节的。吸气时两声带分离，声门开启，吸入气息；发声时，两声带靠拢闭合发生声音。声带在不发出声音的时候是放松并张开的，以便使气息顺利通过。声带发声，一部分是自身机能，一部分是依靠声带周边的肌肉群协助进行发声运动。我们在声乐训练的时候，应该充分注意到这些肌肉群的功能作用，合理地运用它们，养成良好的习惯，避免在不正确的发声习惯下唱坏了嗓子。还有喉咙的上部与舌根之间，有一个很重要的软骨，叫会厌。会厌的功能有两个方面，一是起到声门的保护作用，当我们吞咽食物和饮水的时候，它本能地自动盖住气管，让食物通过时避免进入气管，我们往往有时不小心喝水“呛”了气，就是会厌动作不协调所致。第二个作用是歌唱的时候，会厌竖起，形成通道让声音流畅地输出。
3、 共鸣器官
人体的共鸣器官主要有胸腔、口腔和头腔三大共鸣腔体。胸腔包括喉头以下的气管、支气管和整个肺部。口腔包括喉、咽腔及口腔。头腔包括鼻腔、上颌窦、额窦、蝶窦等。在歌唱中，由于音商的不同，使用这些共鸣腔的比例是有所不同的。一般来说，唱低音时，胸腔共鸣发挥最大，唱中音时口腔共鸣应用较多，而唱高音时主要是靠头腔鸣发挥作用了。如果我们能正确、合理地运用好这些共鸣腔体，并相互协调配合好，那我闪就能获得圆润、悦耳、丰满、动听的歌声。
4、 咬字吐字器官
咬字吐字器官（即语言器官）包括唇、舌、牙齿和上腭等。这些器官活动时的位置和不同的着力部位，形成了辅音和元音（即语言）。发声歌唱时，咬字、吐字器官各组成部分的动作比平时说话要更加敏捷而夸张。敏捷是为了使咬字准确清晰，夸张是为了使美化的元音或韵母通畅地引长发挥。所以语言器官是我们在吐字咬字时的物质基础，也是我们学习吐字咬字时出声、引长和归韵的重要器官。声音是歌唱的基础，要训练好声音进行歌唱，首先要了解所参与发声器官的构造和作用。歌唱运动的感觉远不如看得见、摸得着的如钢琴、小提琴训练那样的肌体运动来得容易，这就要求我们每个歌唱者要有敏锐的自我感觉，并在专业声乐教师的指导下反复训练，以形成条件反射去断定自己的声音是否正确，是否符合 声器官运动的基本规律。还有一点要指出的是，上述各部分器官及它们的运动形式是歌唱的生理学为基础，而这些器官的协调活动，则是在人体神经系统的调节与支配下完成的。任何身体的运动都受到心理的指挥或暗示，歌唱者的意志、情感、愿望及舞台感觉等等，很大一部分与心理的因素有关，有时候心理的制约因素甚至比发声技术更重要地左右着我们的训练，我们应该充分注意到心理的重要性，当我们在歌唱时，尤其在台上表演时，则需将注意力集中在歌曲的内容与情感上，以情带声，而不要把注意力分散在具体器官的位置及活动状态上。
二、 歌唱的姿势
有人说：“姿势是呼吸的源泉，呼吸是发声的源泉。”唱歌训练，首先要有正确的歌唱姿势，没有经过专业训练的人往往不够重视姿势，姿势的正确与否是直接关系到发声时各个器官配合的协调姿势，姿势的正确了，发声各部分就能正常地工作，而不正确的姿势，则往往带来不正确的声音。这好比我们的跑步运动员，赛跑时如果没有正确的跑步姿势，就会直接影响跑步的速度一样。
正确的歌唱姿势是：1、身体自然直立，保持自然放松，这里的放松绝不是松垮、瘫痪，它应呈现一种积极向上的状态，也就是精神饱满的状态。2、头部保持于眼睛向前平视稍高的位置，胸部自然挺起，两肩略下后一点，小腹收缩，两臂自然垂落，全身有一种积极运动的状态。3、两脚一前一后稍分开，前脚着力、身体的重量要平稳，重量落在双脚上。4、面部，眼神要自然生动，眉、眼、嘴是五官中的重要部位，眼睛是心灵的窗户，因此在演唱中眼睛切记应当张大一些，不要眯起眼，虚着唱歌。5、嘴巴是歌唱的喇叭，应当张得开，放得松，切记紧咬牙关。6、还有歌唱时下颌收回，正确的感觉应该是仿佛由小腹到两眉之间形成一条直线，脖子和后背、腰部连成一线，这样才使气息畅通无阻。7、演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作，但动作要简练大方，切忌矫揉造作，画蛇添足。坐唱的姿势与站立时的要求一样，但要注意腰部挺直而不僵硬，也不要靠在椅背上，注意臀部不要坐满整个凳面，约坐1/3的面积，两脚稍分开，自然弯曲，不能跷腿坐，也不能两腿交叉叠起。
三、 歌唱的呼吸
学习正确的歌唱呼吸乃是歌唱艺术最重要和最必要的基础。由呼吸控制的歌声才是声乐，呼吸是歌唱的原动力。声乐界有“谁懂得呼吸，谁就会唱歌”之说，说明了呼吸在歌唱中的重要性，它确实是歌唱者首先应该学会的一项基本功。
歌唱时的呼吸与曰常生活中说话的呼吸是不大一样的。在曰常生活中，人们通过说话交流思想感情，因为一般距离较近时所需音量就较小，气息较浅，不用很大的力度，也不用传得很远，而且我们说话连续用嗓时间长了，嗓音就容易疲劳、嘶哑，这种说话的呼吸若用于唱歌就显得不能胜任了。唱歌是为了抒发情感，是要唱给别人听的。歌唱时面对的往往是大庭广众，须将歌声传至每个角落，因而要求声音既要有一定的音量，又要有一定的力度变化，要有长时间歌唱的能力，并要求根据歌曲的需要，或长、或短、或强、或弱、或高、或低地有控制地输送气息，要做到这些，就不是简单的事了。所以歌唱时的呼吸作为一种艺术手段，有它自身特有的一套规律和方法，它是一项技术性问题，是后天训练出来的。
呼吸运动包含着吸气和吐气两个过程：
1、 吸气
用口、鼻垂直向下吸气，将气吸到肺的底部，注意不可抬肩，吸入气息时使下肋骨附近扩张起来，腹部方面，横膈膜逐渐扩张，使腹部向前及左右两侧膨胀，小腹则要用力收缩，不扩张。背部要挺立，脊柱几乎是不动的，但它的两侧却是可以动的，而且也是必须向下和向左右扩张的，这时气推向两侧与背后并贮在那里，保持住然后再缓缓将气吐出。
2、 吐气
唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。在呼和吸的过程中，要注意呼吸僵硬的感觉，整个身体表情都应该是积极放松的，紧张的部位就是横膈膜、两肋，两肋就像是一只充足的气球一样，我们要让声音坐在上面，往下拉，不能让气球往上浮起来，也就是说要把气息拉住，不能让它提上来，这就牵涉到一个气息支点的问题。
3、 唱歌时要有气息支持点
支持点也就是声音要有一个立足的地方，这个立足点也就是以横膈膜及下肋两侧做支持点，当我们咳嗽或笑的时候，可以直接感觉到它的支持作用。没有经过呼吸训练的人，常常唱歌时，脸红脖子粗的，青筋直暴，歌声僵直，高音上不去，低音下不来等等，都是与气息支持点没有保持住有关。反之，我们掌握了呼吸方法，有了支持点的感觉，那么，当我闪歌唱发声时，便会感到声音仿佛落在我们所控制的气息上，也就是说声音是由呼吸来支持了，这种声音不但悦耳响亮，而且能强弱自如地做出各种变化来。
4、 不同的乐句用气是不同的
我们在进行胸腹式呼吸时，呼吸气势的强弱、吐气的方法要根据所唱歌曲（或乐句）的不同要求有所不同。下面我们就介绍几种不同的呼吸练习法。
1） 缓吸缓呼 这是我们在训练和歌唱时常常采用的方法。就是胸腔自然挺起，用口、鼻将气息慢慢吸到肺叶下部，横隔膜下降，两肋肌肉向外扩张（也就是腰围扩张），小腹向内微收。这种吸气要求自然放松，平稳柔和地进行，就像我们去闻花的芳香时的感觉一样，闻花的感觉使我们吸气吸得深，就像做深呼吸运动一样，但吸气时不要用太大的力，只要轻轻地挺住胸廓和上腹部，然后慢慢呼气。呼气时，注意保持吸气状态，控制住两肋和横膈膜，也就是控制住了气息，使之平稳、均匀、持续、连贯地慢慢吐出。有一种感觉可以帮助我们体会呼气时下肋和横隔膜的保持状态：就是在缓吸后做慢慢地吹掉桌上的灰尘的动作，这里需要长长地吹气，也就是在做长音的呼气练习，我们常说：“长音像吹灰，短音像吹蜡”，是一种吐气的感觉。
2） 急吸急呼 急吸就是在很短的时间内，通过口、鼻迅速把气息促而深入地吸到肺叶下部，并将气息保持住，然后，按照缓呼的要求而呼出。我们在演唱实践中经常要用到的，因为在歌曲的句与句之间、字与字之间的吸气不通话你有很长的停顿时间，往往采用“偷气”的办法来吸入且要吸得不让人发现，这就是急吸缓呼的作用。为了培养呼吸的控制力，我们可以采取一些练习曲及歌曲中的某些乐句做带词的练习，效果较好。卡鲁索说过，歌者能否踏上成功之路，首先要看他对于呼吸器官的操纵和运用，是否建立了强固的基础。
四、 歌唱的发声
歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。
1、 喉头和声带
喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。
2、 打开喉咙
在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？
1）“打哈欠”的状态 “打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。
2）用“微笑”状态来打开喉咙 我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。
3、 良好的中声区
中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。中声区应该靠前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。
4、 关于换声区
当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。有几种方法大家可以实践一下：
1）“倒抽一口气”的动作 就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。
2）母音转换手法 就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。
5、 高音区的练习
高音区常常在作品的高潮中出现，有着激发听众情绪、振奋人心的力量。唱好了高音，会给整个演唱增添光彩。因此，具有响亮的、金属般的高音对歌唱者来说是非常宝贵的，在找到了自然声区，打好了中声区的基础，又掌握了换声区的技巧后就可以进行高音的练习。唱高音时，两颧骨要更积极开放，整个歌唱状态要更加积极向上，兴奋。随着音高向上，下颌需要松弛地向下，向两侧向后拉；小舌头提起如打哈欠似地吸住气，使喉咙更加打开，喉头不可随音高往上移动，而是相反，逐步下降，保持在吸气的状态，当然这个状态必须有气息的支持。唱高音的方法是训练中的一个难点，在不断实践的基础上，也已经总结出了很多行之有效的方法，但每一种方法都要因人而宜，采取适合自己的有效途径和方法。
第一个就是支点提法：在唱歌的时候好像声带不长在喉咙里，而长在了胸口，唱每一个字都不要离开这个支点，嘴放松唱，这样把注意力往那儿一想，一下子声音就得到平衡了。这种方法可以解决好几个问题：如果唱高音喉头容易上提的话，你一想到胸口就不想喉头了，支点一低，喉头也自然放松，下放，喉头放下以后，喉咙自然打开。还有声带都有长在胸口处，气息当然就不能超过声带，那一定在胸口的下面，气息也就往下沉了，稳定了。这基本是找到了正确的发声方法。
第二个反向提法是“喉下换字”的比喻。喉下换字的办法，就是说一般唱高音时喉头都容易高，那就在喉下一寸或者二寸左右的地方换，或者“贴着肩膀换，在脖子根换”。这样唱的时候，喉咙最容易打开，而且声音比较容易垂直，容易进入头声，容易找到高音的焦点位置。
6、 关闭唱法
关闭唱法一般是指男声在唱高音时，减少换声区的困难而用的一种唱法。关闭不是把声音关进去，而地要放出来。关闭要保持中声区的基础，关闭的目的就在于把中、高音区正确统一起来，这可以理解为发声器官工作上的变化，如喉咙的打开，会厌往上竖起、咽的下部适当扩张等。关闭唱法一般是指在中声区用较明亮的“a”逐步到“o”，到了换声区就开始用“u”，过多的“a”声音发白、扁，过多的“o”声音发暗，因此都必须在实践中适当掌握。关闭唱法是训练高音的技术有效的方法。
歌唱的发声是歌唱发声训练制造乐器的重要方面：它需要喉头稳定，喉咙打开，声音全部搭在气息线上，没有一个音脱离这个气息的轨道，声音均匀、连贯、有力度，气息通畅无阻，声区转换时不露痕迹等等，但是歌唱是高级神经系统的活动，一个人在歌唱时的心理状态，常常能影响其歌唱质量的好坏，因此，在唱歌时，不能只孤立地强调哪一部分肌肉的生理活动方面。好的声音是整个发声机能协调工作的结果。
五、 歌唱的共鸣
歌唱的声音要有比较宽广的音域，要有相当响亮的音量，要有表达歌曲感情的各种声音色彩。这些除了要靠正确的气息控制，正确的发声方法之外，更要靠正确掌握人体对发声的共鸣作用。共鸣能够形成的声音质量变化，要比声带自身的发声能量大得多。当某个物体振动发出声响时，影响到周围的其他物体的振动，从而增强了原物体振动的声响，形成了共鸣现象。歌唱的共鸣就是指歌唱发声时，由于气息冲击声带振动而发出的声音同时引起了人体内其他各共鸣腔体产生共振的现象。由于共鸣时产生的泛音与声带发出的音组成复音，因此，它使声音得到了美化，达到宏亮、丰满、悦耳、动听的效果。人的声带是极短的振动体，它发出的声音是微小的，全靠人体许多天然的共鸣腔体（如胸腔、咽腔、头腔等）将它扩大，这些共鸣腔体可以调节声带所发声音的大小、明暗及音色上的变化，并能调整其高度。
1、 人体的共鸣腔体
前面我们已经讲过人的共鸣腔体可以分成不可调节的共鸣腔：胸腔、鼻腔、额窦和蝶窦等，可以调节的共鸣腔：咽腔、喉腔、口腔，这部分是重要的共鸣腔体，可调节共鸣，上联头腔，下联胸腔，是个联络站。歌唱发声时，应随着音的升高或降低的变化，适当地调节那些可调节的共鸣腔体。一般来说，高音的共鸣区是分布在口腔，低音的共鸣区分布在胸腔。但这样的分布并不是说可以将各个共鸣腔孤立地来用，而是应当使所有的共鸣腔体连成一体，即所谓形成“整体共鸣”。整体共鸣就是胸、口、头腔共鸣的混合使用。
2、 共鸣的运用
在歌唱发声时，应用混合共鸣的方法，掌握好共鸣在各声区里的混合比例，使各共鸣腔保持一定的平衡，使声音获得良好的效果。唱高音时头腔共鸣应加强一些，口腔、胸腔也要有；唱中音时，声音要求圆润、流畅，口腔共鸣应多一些，胸腔、头腔共鸣也要有；唱低音时声音低沉、浑厚，以胸腔共鸣为主体，掺入口腔共鸣和头腔共鸣。这样才能在换声区发声时，不发生明显的痕迹。在歌唱发声中，只有及时地调节各共鸣腔体才能使歌唱声音统一、圆润、饱满，音色优美，色彩丰富。
3、 歌唱共鸣的方法
取得较好的歌唱共鸣，首先要注意发音器官各部分的协调配合，遵循渐进的原则，从中间往两头发展，即从口腔到头腔和胸腔，不能急于求成。下面我们简单介绍一下获得歌唱各种共鸣的方法。
1）口腔共鸣
口腔共鸣是声音从喉咙发出后第一个共鸣区域，它是歌唱非常重要的部分，是胸腔共鸣和头腔共鸣的基础。发声时口腔自然上下打开，笑肌微提，下腭自然放下稍后拉，上腭有上提的感觉。这样，声带发出的声波就随着气息的推送离开咽喉流畅向前，在口腔 的前上方即硬腭前部集中反射而引起振动，这个硬腭前部我们也叫硬口盖，这种口腔共鸣效果明亮，靠前，集中，易于和头腔取得联系，且可减少咽喉的负担，起保护声带的作用。口腔共鸣要有声音的“点”和“心”（即共鸣焦点），首先必须使口腔中的各有关部分唇、齿、牙、舌以及相适应的咽、喉自然地松开，会厌轻轻抬起，以使咽、喉、腔通畅，口腔壁、咽腔壁的肌肉积极坚硬，这样才会获得良好的共鸣效果。
2）头腔共鸣
我们常常把头腔共鸣称之为头声。头腔共鸣是我们声音中最具有魅力色彩的成份。它使声音明亮、光彩、辉煌、穿透力强，尤其是男高音、女高音声部，头腔共鸣几乎决定了声音的质量。头腔共鸣是由于声音的频率引起了头部上前方的蝶窦空间的震动而产生的。蝶窦位于鼻孔上，是比较小的结构空间，获得头腔共鸣必须先具有鼻腔共鸣、口腔共鸣，否则头腔共鸣是难以掌握的。具体方法是：把口腔内声波在硬腭上的集中反射点稍后移，下腭放下，软腭和小舌头尽量上提，使口、鼻、咽腔之间的通道和空间更宽些，声波便沿着上腭骨而传到鼻咽腔、鼻腔和蝶窦等，引起振动，这种共鸣效果清脆，丰富，富有光彩。当然要取得良好的头腔共鸣是必须建立在正确的呼吸点、发声点和共鸣位置点这三者协调运动的基础之上的。
3）胸腔共鸣
胸腔共鸣常常在比较低的声部运用比较多，也常常在各个声部的低声区运用较多。实际上在我们每个声部的所有声区，都需要有胸腔共鸣的成分，只是比例多少的问题。获得胸腔共鸣的具体办法是：发声时，咽喉部呈法打哈欠状态，下腭自然下垂，把声波的反射点从硬腭移向下齿背上，使声波在喉头和气管附近引起更多的振动，并继续继续传送到胸农会引起共鸣。胸腔共鸣的练习一定要注意松弛，千万不要过分地追求胸腔共鸣而去压迫喉头，把浓重的喉音误认为是胸腔共鸣。
4、 共鸣练习最好是用哼唱，即常说的“哼鸣”来练习
“哼鸣”时，如闭口打哈欠状态，双唇微微闭住，口腔内越空越好，鼻、咽腔打开，把气息的通道留得越宽越好，然后让气息顺利经过这些通道，沿着口腔的咽壁、鼻腔壁进入头农会的蝶窦处，蝶窦处的感觉就是我们前额的眉心处。感觉到声音向前向上，体会到眉心在震动，从而发出较明亮集中的“哼鸣”声音。这个发出“哼鸣”的眉心处就是我们要找的头腔共鸣。
为了使三个共鸣腔体有机地结合起来，形成歌唱共鸣的整体性，在训练时，还可以选择三个有连带关系的母音组进行练习。这种方法最大的好处是空间比较大，声音较能通畅地进入各个共鸣腔体。
六、 歌唱的咬字吐字
声乐是一门音乐与语言相结合的综合艺术。语言是声乐的重要组成部分，歌曲的旋律都是在语言的基础上才有可能产生，语言直接、准确地传递着情感和思想感受，这是其它任何形式都不能与之相比的。因此歌唱语言的准确掌握运用，是歌唱技术的重要训练课程。
1、 歌唱中咬字、吐字的基本方法
歌唱中的咬字，是指字头（声母）而言，即把字头的声母，按一定的发音部位和发音方法予以咬准。吐字是指字腹和字尾（韵母）而言，即把字腹的韵母，按照不同的口形予以引长吐准，并收清字尾。歌唱中咬字吐字的一般规律是：
1）字头要唱得短、轻、准
汉字的发音，大多是以辅音开头的，字头就是指发音的开头部分，即我们常说的“五音”：唇、舌、牙、齿、喉。
唇音：b，p，m，f
舌音：d，t，n，l
牙音：j，q，x
齿音：z，c，s，zh，ch，sh，r
喉音：g，k，h
这五大类的发音时，用力部位要分明，出口不能含糊。唇音字用力部位在唇上，上下嘴唇喷口应有力清晰。舌音着力在舌尖，牙音字用力部位在牙，齿音字用力部位在上下齿间，喉音字用力部位在喉。我们应充分运用“咬”字的技巧，来加强歌曲的感染力。
2）引长字腹
字腹（韵母）是字在歌唱发音中的引长部分，它占时值较长，歌唱时响度最大，是字的主体部分，与发声的关系最密切，它需要引长，也能够引长。它对歌唱的好坏起着关键性的作用，引长部分按照字腹中不同的韵母的口形要求，分为“齐，开，撮，合”四类，我们称“四呼”。
开口呼：a，o，e发音时要求口腔打开。
齐齿呼：ī或以ī为开头的韵母，发音时口呈扁平形，气息通过上下齿之间的空隙流出，用力在齿。
撮口呼：ü或以ü为开头的韵母，发音时上下唇微向前，用力在唇。
合口呼：u可以u为开头的韵母，发音时上下唇收拢呈圆形。
“四呼”在引长字腹时运用，口形决不能随曲调的变化而变化，应始终保持不变。歌唱中声音是否圆润、连贯主要取决于吐字发音的准确、连贯与流畅。
3）字尾收音要分明
字尾是指字的结尾部分。在歌唱发声中，凡是有字尾的字，都应把尾音收住，才算唱完整这个字，否则只算唱了半个字。单韵母的字是没有字尾的，不需要收音，只要元音发音完整不走形。复韵母的字，应很好地注意收音。如：
收ai，ei，uai，uei的韵尾时，应收i音。嘴角微向两边咧开。
收ao，ou，iao，iou的韵尾时，应收u音，双唇应向前微撮。
收n为字尾的音时，软腭下降，舌尖抵上齿龈，阻住口腔通路，放气流穿鼻而过，收向前的n音。
收ng为字尾的音时，软腭下降，舌根上升贴住软腭，阻住口腔通路，使气流穿鼻而过。
字尾收音时，要收得自然，要收得短、准、轻。且收尾的部位要准确，响度要适中，时值要做到收音即停。国我国的语言文字繁多，变化万千，收尾的部位也各不一样。在我国的传统演唱中，将汉语语音的韵尾归纳为十三个韵脚，也就是我们常在诗歌中遇到的押韵的意思，我们称它为“十三辙”。
2、 关于“十三辙”
1）发花辙：凡收aiaua的字均属之，如沙，下，马等。属元音结尾，收韵时口形不变。
2)梭波辙：凡收o，uo，e的字均属之，如波，歌，多等。
3）乜斜辙：凡收ie，üe，的字均属之，如叠，叶，野等。
4）“一七”辙：凡收i，ü的字均属之，如喜，月，雪等。
5）姑苏辙：凡收u的字均属之，如哭，古，谷等。
6）怀来辙：凡收ai，uai的字均属之，如开，槐，怪等。
7）灰堆辙：凡收ai，uai的字均属之，如内，醉等。
8）遥条辙：凡收ao，iao的字均属之，如高，肖等。
9）油术辙：凡收ou，iu的字均属之，如酒，手，后等。
10）言前辙：凡收an，ian，uan的字均属之，如南，关，边等。
11）人辰辙：凡收en，in，uen，un的字均属之，如分，宾，军等。
12）江阳辙：凡收ang，iang，uang的字均属之。
13）中东辙：凡收eng，ing，ueng，ong，iong的字均属之，如争，表，红等。
3、 关于声调
汉语是有声调的语言，声调是一个音节或字在单独发音时它的高、低、升、降的音高变化，汉语语言中的四个声调在咬字、吐字中，虽然按三部分结构规律把字吐清楚了，但若字的声调不对，唱出来的字仍然容易使人误解。如果我们把四声搭配得当，就形成了声调的对比，有起有落，有高有低，有长有短，朗读起来好听，唱起来易于上口，这就强调了诗词的节奏美、旋律美。
总之，歌唱的语言离不开字音的声、韵、调这三部分，只有掌握了字音的结合规律，演唱时辩证地处理每个部分之间的关系，还要根据歌曲情感的需要，作出相应的变化，完整地表现出每个字来，才称得上真正完成了歌唱的咬字吐字。还有一点要强调的，就是咬字吐字重要的是要研究语言如何表现感情，一般来说，唱轻快的歌曲，咬字吐字应特别轻快、敏捷、灵活；唱雄壮的进行曲时，咬字应结实有力；唱抒情曲调时，咬字应优美柔和；唱慢速度的歌曲时，咬字吐字应圆滑，相连，从而达到“以情带字，字里传情”的目的。

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音频MIDI专业术语简介

    DSP： 即Digital Signal Processing 数字信号处理.DSP技术在音调控制，失真效果器，Wah-wah踏板等模拟电子领域有广泛的应用.同时，DSP在模拟均衡和混响等多种效果上也能大显身手 。通过电脑CPU或专门的DSP芯片都可以处理DSP 动作,不同的是,专门的DSP芯片处理要比电脑CPU处理更优化，速度更快 。
?? 采样： 把模拟音频转成数字音频的过程,就称作采样，所用到的主要设备便是模拟/数字转换器（Analog to Digital Converter，即ADC.与之对应的是数/模转换器,即DAC）。采样的过程实际上是将通常的模拟音频信号的电信号转换成二进制码0和1，这些0和1便构成了数字音频文件。采样的频率越大则音质越有保证.由于采样率一定要高于录制的最高频率的两倍才不会产生失真,而人类的听力范围是20Hz－20kHz，所以采样频率至少得是20k×2＝40kHz以保证不产生低频失真,这也是CD音质采用44.1kHz(稍高于40kHz是为了留有余地)的原因.
?? 信噪比： 以dB计算的信号最大保真输出与不可避免的电子噪音的比率。该值越大越好。低于75dB这个指标，噪音在寂静时有可能被发现。AWE64 Gold声卡的信噪比是80dB，较为合理。SBLIVE更是宣称超过120dB的顶级信噪比.总的说来,由于电脑里的高频干扰太大，所以声卡的信噪比往往不令人满意.但SBLIVE!提供了一个数字输出口SPDIF，可绕过输出时的模拟部分，极大地减少了噪音和失真，同时又极大地提高了动态范围和清晰度。
?? FM： Synthesis Frequency Modulation调配合成技术。FM发声器的原理是先对音色本质进行研究计算之后再通过人工方式“模拟”(或合成)其频率，使用调变波去调变载波，最终获得不同的音色表现。该方法很难制出逼真的真实乐器音色，听上去有很强的人工合成的痕迹.
?? GM： 即通用MIDI标准系统第一级（General MIDI system Level1），制定于1991年.在GS标准基础上，规定了MIDI设备的最大同时发音数不得少于24个、鼓镲等打击乐器作为一组单独排列、128种乐器音色有统一的排列方式等。GM的音色排列方式基本上沿袭了GS标准.它一推出便得到了全球MIDI厂商的一致支持,实现了MIDI设备间的交流.
?? XG： YAMAHA于1994年提出了自己的音源标准——XG。XG在兼容GM的基础上做了大幅度的扩展，能够进行“音色编辑”和自由发展不同层次的器材.具有强大的可扩充性.同过其"库方式"可选择共480种音色.
?? SMPTE(The Society of Motion Picture and Television Engineers)： 它是目前在影音工业中得到广泛应用的一个时间码概念.该码用于设备间驱动的时间同步，计数方式 ,主要参数格式是:Hours: Minutes : Second : Frames.其中SMPTE 24 Film Sync: 以每秒24帧的速度播放，通常用于电影工业;SMPTE 30 Non-Drop: 该标准适用于音频领域.
?? 音频压缩(Audio Compression)： 是指降低信号动态以滤除噪声和避免动态过大的失真。通过不同的计算方式、忽略人耳不易察觉的频段、或通过制造听觉上的错觉，从而大幅度降低音频数据的数量，却令音质基本不变甚至更好。
?? 标准的MIDI插头： 一般的MIDI设备背后都有3个5针插头,分别是MIDI IN接受MIDI信息;MIDI OUT发送该设备自身的MIDI信息;MIDI THRU转接输出MIDI IN接受到的MIDI信息.
?? 合唱(Chorus)： 最常用的音响效果之一.原理是将信号的调制延迟部分做copy，然后再与原信号合成.这种效果可产生多个相同声音组合的感觉。MIDI应用时，与Reverb等效果适当配合和渗透，作出意想不到的效果.
?? 另外还有：放大器(Amplifier)，俗称“功放”，用以增强电平信号。 Hz：同一频率每秒振动次数的单位。 quantize：量化。其作用是对音符或音频以某个精确度进行“对位”。 半双工(half-duplex)：计算机技术上可以在两个方向上进行信息传输。但在同一时刻只可单向进行。 EQ(Equalize)均衡效果器：其中Paragraphic EQ是参数图形均衡器。Graphic EQ是图示均衡器。用滑动控制器作为参数调整的多段可变均衡器。滑动控制器下的标识与其频率响应所对应。每一频段的中心频率与带宽是固定的。

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歌唱发声练习及练习曲

声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。
一、 歌唱发声练习的目的和要求
歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。
我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。
歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：
1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法），因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。
2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。
3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。
4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。
5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。
6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。
7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。
8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。
二、 歌唱发声练习的步骤
歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。
第一阶段以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。
第二阶段是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，翟烩段音域巩固后，再进入高声区的练习。
第三阶段即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。
三、 歌唱发声练习的起音
发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、 激起声
是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、 软起声
软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、 舒起声
舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
四、 歌唱发声练习曲
练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名１２３４５６７等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。
1、“哼鸣”的基本练习
一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。
2、母音的练习
除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。
3、连音练习
人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。
4、顿音练习
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习
在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。
7、声音灵活性的练习
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。
8、结合字声练习（带词练习）
要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项
1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。
2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。
3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。
4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。
声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”

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音乐制作软件大比拼


　　很多喜欢多媒体制作的朋友，总是热衷于体验视频编辑和音频合成的乐趣，视频领域尚有Premiere挑大梁，音频方面就显得十分陌生、无从下手了。在市场上众多的音频软件中，怎样选择一款最适合自己需要的软件就成了当务之急。另一方面对DIY一族来说，在经历了3D动画、网页设计、FLASH制作等DIY阶段之后，现在刮起的是电脑音乐DIY的旋风了，始终不想落伍的DIYer总是喜欢向新的目标挑战，电脑录音就是进入电脑音乐的最直接途径，选择一款最容易上手的录音软件也就显得十分重要了。当然，对想要组建个人家庭小型录音室的专业和半专业玩家来说，录音软件更是这个Record Studio的基础和核心，怎样选择一款功能强大、专业优势明显的录音软件直接成为提高工作效率的关键砝码。

?? 从以上这几方面的应用来说，基于PC电脑的录音软件的选择和使用都起着举足轻重的作用。尽管录音软件的选择范围很大，但针对不同级别、不同要求的用户应在不同的指导下，权衡功能强弱和操作难易后作出正确判断，这里面可有很大的学问呢。下面我们就带领大家走入录音软件的大世界，从不同的角度，以不同的侧面分析各种软件的优势和劣势，为不同级别的用户提供一个最实用、快捷、简便的使用参考。

?? 一．分门别类，群星登场

?? 我们将以单轨录音和多轨录音为分界线，对两种类型的录音软件进行比较，虽然他们都具有录音功能，但在编辑操作、应用途径等方面却存在着千差万别。单轨录音，顾名思义就是指同时只能进行一个声部（音轨）的录制，要想进行多声部录制只能分别多次进行。而多轨录音则可以同时对几个声部进行录制，并能对音乐和人声进行合成处理。单轨录音虽然对多声部录制会比多轨录音带来更多的不便，但在编辑、修改单独的一个音频文件时却显得十分简单，其编辑功能也普遍比多轨录音软件强大许多。因此它们之间是相辅相成、互相弥补的，应该在录音的不同阶段使用不同的录音方法。 如果忽略单轨和多轨的这种特点上的差别就会造成很多用户向笔者抱怨的录音失败、音质太差、声音断断续续等后果，只有区别清楚何种环境下使用哪种类型的录音软件才能达到预想的录音效果，满足你的各种录音要求。 当然对各种录音软件的介绍，我们也是精选了市面上流行的、在用户中有一定知名度的软件进行的，避免了一网打尽，泛泛而谈，其根本出发点就在对用户的实用性上。

?? 1． 单轨录音软件大点兵下面首先出场的是单轨录音软件，我们选择了这个领域中的4位佼佼者，在它们闪亮登场的同时对各自的特性进行简要概述。

?? (1). 强悍的Sound Forge

??一说到单轨录音立即就会从我们脑子里冒出一个震耳欲聋的名字－Sound Forge！的确，Sound Forge从某种程度上来说似乎已经成为单轨录音的代名词，它主要以强大的功能和完善的技术支持一直以来都是独霸这个领域，它的生产厂商Sonic Foundry公司也因此一夜成名，在这个行道享有"大哥大"级的待遇。 对于从事多媒体制作和专业工作室音频应用的用户来说，选择Sound Forge绝对是无可厚非的，出色的性能会给你的工作带来更多的便利。可以毫不夸张的说，凡是跟声音有关的处理，Sound Forge都能够"通吃"，套用一句时髦的广告词来概括它的特点，那就是"只有你想不到的，没有它作不到的"，更何况目前Sound Forge已经更新到5.0的版本了（后文统一简称Sound Forge，如图1），它的新功能更是让你欢喜不已，在后文中我们就将以5.0为例进行介绍。

?? (2). 菜鸟的福音-WaveCN

?? E文不好的普通电脑玩家怎么消受得起Sound Forge的满屏"鸟语"呀，而且还都是专业的英文术语（都是跟录音相关的），还没看就头大了。有没有更简单一点的，操作更方便一点的，功能也不用那么强大的中文录音软件，让我们这种业余票友也享受一下录音的乐趣？当然有！下面将要登场的就是"轻量级冠军"－WaveCN（如图2）。这是一个由国人苏信东先生开发的全中文界面的免费软件（？！），发展到如今的1.4版（后文统一简称WaveCN）不仅已经具备了所有的基本录音、音频操作，还加入了直接读取、编辑Mp3文件的功能，这对于一款完全由个人开发的专业音频软件来说已经是非常难能可贵了，更重要的它还是中文的！

?? (3). 老牌劲旅-GoldWave

当然WaveCN也不是中文录音软件的唯一选择，我们不要忘了长久以来很多用户一直钟爱的GoldWave（如图3）汉化4.16版（后文统一简称GoldWave）。绿色软件的"环保"安装方式，体积小巧的程序容量都是它带给我们的惊喜，对要求不高的普通用户使用它就最合适不过了。

?? (4). 靠插件取胜的WaveLab

如果说Sound Forge有垄断单轨录音软件市场的野心，恐怕最大的绊脚石就是WaveLab 3.0了（后文统一简称WaveLab，如图4），这与其说是两个软件的竞争不如说是两种音频效果器插件形式DX和VST之间的较量。众所周知，衡量一个录音软件，除了可以简单的把声音录制下来之外，怎样进行修改、剪辑、后期合成、特效制作等都显得十分重要，而Sound Forge支持的DX形式的效果器插件和WaveLab支持的VST形式的效果器插件就变得势不两立了。目前，VST形式的插件效果器越来越多，各大效果器生产厂商好像都有意向VST这边靠，如果想要享受VST的各种高质量的音频特效的话，你还非得使用WaveLab不可。

?? 2．多轨录音软件群登场

?? 多轨录音方面，更是"高手云集、群星闪烁"了，各个公司推出的相关软件都拿出了自己的看家本领，誓要在激烈的市场竞争中赢得一席之地。最先亮相的就是名声显赫的Cakewalk Pro Audio！

?? (1). 老瓶装新酒－Sonar

Cakewalk可以算是国内资格最老，用户数量最多的MIDI制作软件，以致很多朋友一说起MIDI马上就联想到Cakewalk，俨然一幅业界代名词的派头。可是你是否知道，自从Cakewalk 6.0推出以后，录音编辑和音频合成功能就加入到了这个软件之中，所以现在它不仅是一个传统意义上的MIDI制作软件，更是一个全方位、多功能的音乐制作系统，连名字也变成了Pro Audio，从这点也可以看出它内置的强大录音功能，要完成我们要求的录音效果真的就是小Case了！ 目前Cakewalk在推出了9.0之后，毅然决定放弃Cakewalk的软件商标，启用新的Sonar名称，推出了Sonar 1.0（用以替代Cakewalk 10.0的名称，如图5），其音频功能进一步增强，我们就将以前不久刚更新至1.3版本的Sonar为例（后文统一简称Sonar），进行介绍。

?? (2). 视频音频双料王-Vegas Video

?? Vegas这个对不少朋友显得比较陌生的名字同样来自Sound Forge的出品公司Sonic Foundry，它的诞生和在很短的时间内赢得全世界用户的一致口碑主要还是由于其操作的简易性，充分发挥鼠标左右键的配合功能，用极少的菜单命令就能完成各种操作，包你3分钟上手 :o) Vegas的出现真的名副其实的可以称得上是后起之秀，对于习惯使用Sound Forge的朋友，使用起Vegas来那更是如鱼得水，操作的一致性和两个软件的"无缝衔接"都能给你的工作带来更高的效率！同时Vegas不仅能够解决你录音的困惑，还能够给你增添视频编辑的乐趣，这就是我们后面将要介绍的Vegas Video 3.0（后文统一简称Vegas）。如果有人问你，哪个录音软件能够化难为易，让初学者也游刃有余？那非Vegas莫属了！

?? (3). 专业录音师的致爱－Sam2496和Nuendo

笔者不少从事专业录音混音和音乐制作的朋友，总喜欢在他的PC电脑上摆弄两个华丽的面孔，以炫耀自己的专业性和品质的权威性，这就是功能更加强大，操作也相应复杂的Samplitude 2496（图7）和Nuendo（图8）。前者来自Sek'D公司（现已被MAGIX AG公司收购），后者来自目前势头最劲的Steinberg公司（也是WaveLab的出品公司）。有意思的是这两个公司都是德国的录音软件制造厂商，曰耳曼人做事的严谨和细致在这两款软件中表现得淋漓尽致，每一个按钮、推子都经过严格的考究，每一条注释、说明都显得准确、精炼。他们代表了PC录音软件的最高水平，功能强大得自然没法说了，对于专业和半专业的音频用户以及对录音要求苛刻的朋友将起到很大的辅助作用，后面将以Samplitude 2496 6.0（后文统一简称Sam2496）和Nuendo 1.53（后文统一简称Nuendo）为例慢慢道来。

?? (4). 人气最佳的Cool Edit

?? 最后需要特别介绍的这位叫做"Cool Edit"，它也是在国内具有广泛的用户群和较高人气值的一个录音软件。它的优势在于集合了单轨录音和多轨录音两种模式（尽管一些多轨录音软件也可以进行单轨音频编辑，但却没有Cool Edit来得方便），也就是说通过简单的一个按钮就可以进行单轨和多轨模式的切换，并且在两方面都做得十分出色。不少用Flash设计动画和用Authorware制作多媒体光盘的用户喜欢用Cool Edit进行音效处理和人声录制，这好像已经成为一种习惯了，他们亲切的称它为"酷编辑"，由此可以看出Cool Edit是一位多方位、全才型的"明星"。后面我们以Cool Edit Pro 1.2（后文统一简称Cool Edit）为例向你做更细致的介绍。 图9：单轨/多轨录音功能兼备的Cool Edit Pro 好了，众明星亮相登场之后，等待的就是一场激励的擂台赛了。需要事先指出的是，下面的对比并不是一次软件的评测，因为从性能上来讲，Sound Forge绝对远远超过GoldWave、Cool Edit，而Vegas、Sonar也绝对不是Sam2496和Nuendo的对手，而我们这里的比拼用意却不在此，我们的出发点是实用性！由于不同的用户对录音有着不同的要求，因此我们就是针对这些不同层次的用户，给出他们一个选择这些软件的参考方案。同时，在对这些软件的不同方面进行比较时，你还能学到它们的最基本使用方法，真是一举多得，何乐而不为？快跟我一起来吧！

?? 二．单轨录音，谁与争锋

?? 在单轨录音软件的较量中，我们的几位选手－Sound Forge、WaveCN、GoldWave、 WaveLab-已经亮相过了，它们将在下面几个回合中一决高低，我们也将给出最切合你心意的"裁判意见"（就是笔者总结性的吐血推荐了）。

?? 第1回合. 录音质量

?? 既然我们要用它们来录音，首先最重要的就是录音质量了。如果录制出来的效果很糟糕，那不管其他方面表现再好都是毫无意义的，毕竟音质才是第一位的。 当对同样一段声音片段进行麦克风录音时，我们基本感觉不到它们四者的差别，播放的时候都能比较忠实的回放出声音的真实效果。如果我们借助一个频谱软件（就是能够图像化的表示出声音的各种特性参数的软件，让我们的判别更具科学依据），比如Pinguin Audio Meter（PG-AM）还是能观测出它们的音质区别的。 用Sound Forge录制出来的声音润泽、饱满又不失清晰感，在PG-AM的各项指标测试中均表现良好（如图10），无疑是保证音质的最好选择。其实，在笔者的长期研究、对比中发现，Sound Forge采用的音频内部算法的确是最优的。对于同样一个操作，Sound Forge作用后对声音的直接影响效果要比同类其它软件好，这也是Sonic Foundry公司引以自豪的一点，的确是所向披靡、无人能敌！ 图10：用PG-AM测试后发现Sound Forge的录音音质最好 至于其他3个软件的录音音质方面，WaveLab也具有很高的专业性，Steinberg的所有录音软件产品的品质还是很有保证的，WaveLab也不例外；WaveCN和GoldWave次之，毕竟音频内部算法是一个非常复杂的过程。 裁判意见： 第1回合－录音质量的较量中，Sound Forge胜出。虽然从普通用户的耳朵里可能不太能够听出它们的差别，但对准求品质的专业级别用户，首选还是Sound Forge！

?? 第2回合. 运行环境

?? 一个优秀的软件是能够在各种环境下使用并且工作稳定，相痹烩4种软件来说，WaveCN 1.4的体积是最小的，仅有一个的安装文件一共才1.1M，用一张软盘就可以装下，方便于携带。GoldWave 4.16体积也很小，其主文件也才1.4M，并且是这4种软件中唯一一款不需要安装的绿色软件。相比之下Sound Forge和WaveLab的10多M安装容量就显得略为臃肿了，对网络上的传播也不太方面。 另一方面，从各个软件的硬件要求来看，Sound Forge无疑是最高的，在打开多个其他软件的情况下同时运行Sound Forge进行录音操作，很容易造成死机，究其原因也在于其运算会消耗掉不少的CPU资源。而WaveLab也不是一盏省油的灯，赛扬300以下的电脑基本玩不转，所以还是WaveCN和GoldWave要好很多，尤其是GoldWave，绿色软件的特性决定了在任何时候使用都不会出现非法操作的错误，的确难能可贵啊！ 裁判意见： 第2回合－运行环境的较量中，GoldWave 4.16胜出。其取胜的法宝就在小巧的软件容量和零耗时的安装，并且在低配置的电脑上也能运行自如，对于口袋里银子不多的朋友，有特别的实用价值！

?? 第3回合. 操作难易

?? 功能越强大，也就意味着操作越复杂！这个道理在录音软件中也普遍存在，从各个软件的菜单命令中就可以看出来。Sound Forge无疑让所有初学者望而却步，其繁杂冗长的菜单命令给人眼花缭乱的感觉，往往很简单的一个操作也会在各种主菜单、子菜单中反复切查找，费时费力。 与Sound Forge类似还有WaveLab，虽然菜单命令略显精简，但对不熟悉音频软件操作的朋友来说，面对满屏的E文操作起来还是不那么顺心。对于普通用户，最好还是选择文中操作界面的GoldWave和WaveCN，前者毕竟是英文软件的汉化版本，在汉化过程中很多语法、词条中文译名汉化得不准确，虽然可以帮助我们理解软件的用法，但对要求较高的用户就有点鸡劣的感觉了。而后者WaveCN则完全不同，它是一款由中国人编写的中文录音软件，各种音乐专业术语、词汇都解释得比较到位，菜单命令和鼠标操作也十分简单，能够让初学者在很短时间内学会它的使用。 图11：WaveCN的全中文操作方式 裁判意见： 第3回合－操作难易的较量中，WaveCN 1.4胜出。初学者要想快速掌握基本的录音方法技巧，选择WaveCN就不会错的。当然GoldWave和WaveCN的操作中不支持右键快捷菜单不得不说是一个遗憾 :o(

?? 第4回合. 外观界面

?? 现在任何一款软件都十分重视操作界面的美观性，谁都不想整天对着一张"丑陋的脸蛋"工作，因此美观的界面已经成为了各种软件开发商在软件设计中所追求的一个重要的目标，录音软件也不例外。 WaveLab秉承了Steinberg产品的一贯界面风格，在细致入微地"雕琢"每个按钮、推子的造型同时又不失整体布局的统一、整洁性，毫无疑问的征服了"评委们"的心。 WaveLab秉承了Steinberg精制的界面设计风格 在WaveLab的比较下，其它3个软件就显得有点黯然失色了。对于GoldWave这种容量本来就小到无法顾忌太多界面性的软件，和WaveLab真是不可同曰而语。在低挡电脑上享受GoldWave的稳定运行的朋友又要忍受它"恐龙"的形象了 :o) 裁判意见： 第4回合－外观界面的较量中，WaveLab 3.0以绝对优势胜出！没有太多的解释，把它们都运行一次就一目了然了。使用WaveLab进行录音操作，就象是在欣赏一件视觉艺术品一样（有点夸张），绝对是一种享受！

?? 第5回合. 特效制作

?? 往往录音操作不仅是把声音录制进去就完事了，而是要在后期对声音进行各种处理，来制作出我们想要的各种声音特效，这就要看录音软件提供的编辑手段和特效制作方法了。虽然WaveCN、GoldWave、WaveLab对常用效果的制作都能游刃有余，但相比Sound Forge细致地调节、丰富的预置还是有很大差距的。 象淡出淡入、音量最大化、时间拉伸、均衡调节都效果对Sound Forge来说简直就是小Case了，连声场模拟、降噪、波形生成、同步设置等高级技巧也不在话下，的确象前面所讲到的那样，用Sound Forge进行音频处理，只有你想不到的，没有它做不到的！ 裁判意见： 第5回合－特效制作的较量中，Sound Forge胜出！如果你不需要制作那么多复杂的声音效果，那么选择WaveCN和GoldWave也行，如果你想把录音DIY进行到底，那Sound Forge是跑不掉的。

?? 综合意见 真可谓"尺有所短，寸有所长"，从上面的较量中可以看出，再强大的一个单轨录音软件都无法完全取代其他同类软件的。其实，根据不同的录音要求和不同的专业程度，选择自己理想的软件才是最重要的。对专业和半专业的多媒体制作者和录音师来说，Sound Forge是首选，也可以考虑WaveLab，以其与后面的Nuendo多轨录音软件形成一个整体。对于普通初学者来说，WaveCN和GoldWave才是最理想的选择，中文化的操作界面是它们最大的卖点！

?? 三．多轨录音，群雄逐鹿

?? 如果说单轨录音是侧重声音的细节处理的话，多轨录音就是侧重声音的整体合成了，它在音乐的后期制作、歌曲的人声录制等方面发挥着巨大的作用。每一个立志成为专业录音师的高级用户必须精通，每一个业余做做卡拉OK歌曲的普通音乐爱好者也必须通晓基础。参赛选手－Sonar、Vegas、Sam2496、Nuendo、Cool Edit准备就绪之后，下面就让我们拉开多轨录音软件的擂台序幕吧！

?? 第1回合：运行速度

?? 频繁与音频数据打交道会消耗大量的CPU，这主要是由于Wav的庞大数据量造成的，所以在录制人声或者音乐的声部达到一定的数量之后，系统性能会大幅度下降。"承受"能力强的多轨录音软件同时跑上30个音轨会没有问题，而"吞吐量"小的软件在很少的音轨之后就会显出力不从心的疲劳姿态了。想想要是把你的歌唱才能限制到仅有的几个音轨中，恐怕谁都不愿意看到这种情况吧，所以运行速度就成为衡量多轨录音软件优劣的至关重要的环节。 在对同样几个声部的录制中我们发现，来自Sonic Foundry的Vegas以其独特的算法获得了最好的表现，其运行的稳定性、运算的高效性和快捷性在几个同类软件中是最为出色的。的确，进一步对Vegas的使用后你会发现，往往在其它软件中需要消耗大量CPU的操作在Vegas中总能轻松的解决。Vegas正是采用了与Sam24962496、Nuendo等软件不同的音频算法来实现的。如果你要录多声部的小合唱或者乐队同期录音甚至交响乐都没有问题，找Vegas就行了。在笔者的PIII－600上跑40轨都没有问题，还不够你用吗？ 图13：再多的音轨Vegas总能应付自如 裁判意见： 第1回合－运行速度的较量中，Vegas胜出！如果我们用上述各种多轨录音软件录制同样的10轨音乐，然后再编辑、播放，就会明显感到Vegas的速度胜出一筹，Cool Edit和Sonar略显逊色，Sam2496与前三者相比运行效率下降就很大了，最慢的是Nuendo，没有PIII级别的电脑很难玩转。

?? 第2回合：调音台控制

?? 在多轨录音过程中，我们使用最多的观察、控制设备可能就是调音台了。由于录音过程中需要对各个音轨参照进行对比，所以调音台的操作方便与否直接影响工作效率，是多轨录音软件设计中最重要的一个环节！ 调音台根据不同的用户的不同操作习惯，也很难做优劣的判定，我们这里以直观、方便为依据，对各个软件的调音台进行对比。这首先应排除Cool Edit和Vegas，因为这两者都没有我们习惯操作的调音台面板，尽管Vegas中有被称作Mixer的控制台，但与传统意义上的分轨调音台有较大区别，不具太多实用性，这不得不说是两个软件的遗憾！ 熟悉Cakewalk的朋友一定会首选Sonar，它的调音台界面比较简单，但也能满足我们的操作要求。可以添加音频效果器，调整音量、声相，还带两个辅助效果器和一个总线输出，可是界面单调却是它的一个问题。：Sonar的调音台面板 Nuendo有一个高贵、华丽的调音台，在主界面操作中用F3键就可以调用出来，但操作的相应繁琐会给没有使用过Nuendo的朋友带来不少麻烦。 图15：Nuendo的豪华调音台 最理想也是最方便的调音台还是Sam2496的，它不仅可以对音量、声相等基本音轨属性进行方便的调节，而且自带了均衡、延迟、立体声扩展等常用效果器，就是使用插件效果器也是所有调音台中最方便的！最有特点的还是它支持调音台的Skin外壳程序，你可以设计自己的个性调音台，图16就是笔者的一位朋友胡戈设计的"金属"调音台。 图16：胡戈设计的调音台面板 裁判意见： 第2回合-调音台控制的较量中，Sam2496胜出。胜出原因是操作简单、实用，功能强大、丰富，界面美观、大方。

?? 第3回合：与MIDI的整合性

?? 所谓与MIDI的整合性是指，把前期制作好的MIDI音乐转换成音频文件，然后再到多轨录音软件中做后期合成！这个过程是每首MIDI歌曲都必须经过的，以达到最好的效果。 由于Cakewalk在国内的使用人数很多，并且它也具备音频处理功能，所以在Sonar中制作MIDI然后直接在Sonar中将MIDI转换为Wav进行后期处理是最理想的方式。省去了在各个软件之间的转换，非常方便。 Nuendo虽然也具有MIDI制作功能，但相比Sonar来说却不是那么方便，如果你使用Cubase（Steinberg一种专业级别的音乐合成系统）制作MIDI的话，那么用Nuendo做后期合成就最合适。 而Cool Edit、Vegas、Sam2496根本就不支持MIDI制作，所以自然不用谈与MIDI的整合性了。 裁判意见： 第3回合－与MIDI的整合性的较量中，Sonar胜出！凭借Sonar在国内巨大的用户数量，会有越来越多的用户意识到它音频功能的强大，是MIDI → 录音 → 后期合成的最佳选择。

?? 第4回合：插件效果器的支持

?? 录音过后对声音进行的各种特殊处理往往比录音所花去的时间还要多，因为它可以弥补录音造成的缺憾，让声音最美的一面呈现出来，而这种特殊处理就是依靠插件效果器来完成的，这又要说到前面提到过的DX和VST两种效果器形式之争了。 在几年前，PC音频领域还是DX一统天下的局面，DX的效果器陈出不穷，质量在当时看来也是十分不错的。但随着近两年来德国Steinberg公司的迅速崛起，它带来了VST效果器的全新概念，以迅雷不及掩耳之势抢占了DX的大片市场，目前不少顶级的插件效果器都是基于VST形式的。更让人费思的是，支持VST的软件（如Nuendo）使用起DX的插件来仍然游刃有余，但支持DX的软件（如Sonar、Sam2496、Vegas、Cool Edit）就根本不能使用VST的插件了，即使用第三方的VST to DX软件转换之后，仍然问题多多。 图17：在Nuendo中各种玲琅满目的VST插件效果器 裁判意见： 第4回合－插件效果器的支持较量中，Nuendo胜出。目前基于VST形式的插件效果器越来越多，而且音色效果也大幅度提升，而DX的旌旗摇摇欲坠，大有被VST取代之势。为了长远的打算，还是投靠Nuendo吧。

?? 第5回合：操作难易程度

?? 凡是使用过Vegas的朋友，对它简便的操作一定会留下很深的印象。对比一下Vegas和其它软件的菜单命令就能很明显的看出来，Vegas的几乎所有操作都集中在鼠标左右快捷键上面，不用为看不懂英文命令而犯愁，录音的过程就在鼠标的简单活动中就可以完成，的确是初学者的福音啊。 图18：Vegas超级精简的主界面 同时，我们介绍的这款Vegas Video 3.0还兼具视频处理的功能，在Video FX中提供了各种视频特效可供选择，最适合那种进行音频、视频同期合成的用户，所有操作都十分简单，包你3分钟上手！ 裁判意见： 第5回合－操作难易程度的较量中，Vegas以绝对优势胜出。没有同类软件使用经验的朋友不妨安装一个Vegas试试，在轻松愉快的气氛中学习电脑录音。

?? 第6回合：使用的全面性

?? 前面几个回合中，都没见到Cool Edit有什么娇人的表现，那为什么他还会有那么多忠实的用户呢？原因很简单，就是使用的全面性。Cool Edit的功能虽然不是最强大、操作不是最简单的，但它却有优于Vegas的录音音质，高于Sam2496、Nuendo的运算速度，强于Sonar的命令体系，并且它即可以做单轨录音软件，又可以作多轨后期合成软件，其综合实力是最强的，能够为各种音乐、人声的录制提供帮助。笔者一位好友，也是中国著名吉他手李延亮的最新专辑《火星滑雪场》，就是用Cool Edit录制出来的呢！：单轨和多轨的切换只需一个按钮 需要特别说明的是，前不久推出的Cool Edit 2000与Cool Edit Pro 1.2有较大的差别，前者是一款非常业余的精简型、民用级软件，而后者才是绝对能够达到专业水平的专业录音软件，选用时一定要将它们区别开来。 裁判意见： 第6回合－使用的全面性较量中，Cool Edit胜出。一方面是由于它具有很大的用户数量，很多人已经习惯于它的操作方式，另一方面更是因为它能在多媒体制作、人声录制、视频配乐、后期合成等各种音乐环境下都发挥出良好的状态的，当之无愧的获得用户的青睐。

?? 综合意见 上面讲到的多轨录音软件只是整个同类软件领域中的冰山一角，还有太多其它多轨录音软件未能一一评述，而这5种软件在国内知名度最高，在不同层次的用户中已经完全普及开来了。 对于经常制作音效、剪辑声音素材的多媒体玩家，Cool Edit和Sonar是不错的选择。Cool Edit中自带的降噪、混响等效果器会给你的声音片段带来更多的新奇感受；Sonar的强大MIDI编辑功能，能够帮助你将网上下载的现成MIDI根据自己要求进行编辑后再作合成，一体化操作更方便。 对于喜欢自己动手DIY歌曲和专辑的普通音乐爱好者，Vegas能够帮助你更快的实现你的梦想，简单的操作使它更具亲和力，一用你就会爱上它的。 对于家庭录音室（Record Studio）和专业录音棚，选择Sam2496和Nuendo就没错，其软件的品质完全能够达到出版级的水平。现在很多著名音乐人和录音师纷纷抛弃ProTools（一种苹果电脑为基础的录音系统，价格非常高昂）的"旧?quot;，投入PC的怀抱，它们就是冲着Sam2496和Nuendo来的

?? 四．总评

    软件是死的，人才是活的！什么样的软件能够录制出什么样的声音，不光靠硬件、软件的支持，还得主要靠人们的使用。各种软件之间不能相互取代的道理主要来源于不同用户的操作习惯和层次要求，选择最适合自己使用的才是关键。 令人兴奋的是，目前电脑音频技术随着CPU等硬件设备的不断更新换代迅猛的发展起来，各种新技术、新成果不断的涌现出来，呈现一派繁荣的势态。现在没有人再会低估PC音频的技术实力，这些强大的录音软件都已正式批量地投入各种音乐的制作中。伴着WTO时代的到来，Steinberg、Sonic Foundry、Cakewalk等国际著名软件厂商也都瞄准了中国的市场，我们有理由相信未来的电脑录音领域会开放出更绚丽的花朵，接出更丰硕的果实！

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流行歌曲演唱的风格与技巧


几种唱法

　　 流行歌曲的演唱讲求个性，歌星们在声音上的差异之大，演唱风格之多样，使得我们无法像在“美声唱法”中那样将其划分为几个声部（男高音、女中音等），即便是用“声线”这个时下非常流行，却又是莫名其妙的万能术语，也还是难以一一描述清楚。但我们还是可以根据其渊源以及发声特点、演唱风格归纳出几种典型的“唱法”。

　　 “低吟唱法”（Crooning)，形成于30年代。那个时候，许多酒吧、舞厅、夜总会里添置了电子扩音设备，歌手们开始对着“麦克风”（话筒）唱歌。“低吟唱法”就是在这样的背景中产生的。由于话筒的扩音作用，歌手们不必像歌剧演员那样竖着嗓子吼，也不必像有些民族歌手那样横着嗓子喊，他们只须用说话般的音量轻轻哼唱，众多的听众同样可以听得真真切切。一些非常细致的艺术处理方式，如一声轻微的叹息、一个小小的停顿，都能被纤毫毕现地展示出来。

　　 早先的“低吟”歌手都是有着一定的美声基础的男中音或男低音。中国听众非常熟悉的平.克劳斯贝便是第一代低吟歌手。三四十年代“低吟”歌手演唱的抒情歌曲和爵士乐风格的歌曲是当时澈地歌曲的主流。50年代后，随着“摇滚乐”的兴起和民谣的复兴，流行乐坛不再是“低吟歌手”的一统天下了。但是“低吟唱法”并没有就此消亡，作为一种演唱方法，“低吟”对后来所有流行歌手的演唱产生了深远的影响。话筒的运用，声音的控制，旋律线条的连贯圆滑，歌词语气的表现，微颤音和气声运用等流行歌曲演唱的基本技巧在“低吟”中已经发展得相当成熟了。

　　 民谣在世界各地的流行歌曲中都占有重要的地位。民谣歌手用“本嗓”演唱，与“低吟”相比，这种唱法一般不刻意追求声音的圆润和共鸣，音色扁平、自然，强调吐字的清晰和口语化。鼻音在“美声”和“低吟”唱法中都是很忌讳一个毛病，然而许多民谣歌手（如约翰.丹佛、鲍勃.迪伦）却喜欢使用带有浓重鼻音的演唱方式，这种鼻音具有独特的抒情色彩，尤其是在演唱平缓的叙述性歌曲时，会产生一种亲切自然、富有磁性的魅力。民谣还经常采用重唱的形式，主旋律往往放在中低音声部，而高声部的伴唱常用轻柔透明的假声来演唱，因而假声也是民谣演唱中的一个重要特征。

　　 民谣唱法不仅限于民谣歌手，也包括一些摇滚歌手。如著名的“披头士”的大部分歌曲都是用民谣风格演唱的。

　　 民谣唱法代表了流行歌曲演唱中平实自然的一面，而美国黑人歌手则使得流行歌曲的演唱增添了华丽的色彩。

　　 美国黑人歌曲的渊源可上溯到奴隶制时期的田间号子，此后又陆续出现了灵歌（Spiritual)、福音歌（Gospel)、布鲁斯、索尔（Soul)等声乐体裁形式。黑人歌曲常采用一领众和的演唱形式，领唱者用呐喊、尖叫、抽泣、呜咽、滑音、颤音、假声等富于装饰性的演唱技巧，常常能将一些简单的旋律片断即兴演绎发展成极富感染力的毕彩乐句，产生出动人心魄的艺术效果。

　　 富有激情和即兴装饰是美国黑人歌手演唱艺术的灵魂。许多摇滚乐歌手（尤其是硬摇滚和重金属摇滚歌手）的演唱风格也是由这种唱法衍生发展出来的。只不过摇滚歌手大都比较强调其嘶喊爆发的一面，而缺乏那种细腻的装饰技巧。

　　 爵士乐出现后，美国黑人歌手又创造出一种高度炫技性的演唱方式。在与乐队的即兴交流中，他们用一些没有具体含义的衬词唱出各种复杂多变的节奏型（称为Scatting)或用人声来模仿爵士乐队中的各种乐器的音响（称为Vocalese)。

　　 80年代兴起的饶舌乐（Rap,以急速的节奏念出歌词）在一定程度上也是这些高难度的人声表现方式的延续。以上介绍的是流行歌曲的几种比较典型的演唱风格。在千变万化的流行歌坛上，绝大部分的歌星并不固守某一种“唱法”，而往往是在这几种基本演唱风格的基础上，根据其自身的声音条件和特点并结合歌曲表现的需要，加以变化融和，从而形成自己独特的演唱方法和艺术风格。

音区与音色

　　 人声音区的各个部分有着不同的色彩：高音区明亮，中音区柔美，低音区沉厚。流行歌曲的演唱通常也是遵循各音区的自然属性，发挥其自身的表现作用。但有时也会根据歌曲内容表现的需要而改变各音区的自然色彩。如《一无所有》的旋律常在高音区徘徊，但在演唱时却应该将音色处理得暗一些。倘若一味强调高音区的高亢明亮，就难以表现出歌曲中所蕴含着的那份执著和抗争。

　　 流行歌曲的演唱追求的是本色自然，但许多初学演唱的人在一开始的时候并不能找到自己的“本色”，而往往是模仿录音带上自己喜欢的歌星的声音特征和发声方法。

　　 流行歌坛中有许多嗓音嘶哑嘈杂的歌手，以至于引起这样的误解：只有沙嗓子才能当歌星。事实上，流行歌坛中的甜美圆润的歌手并不比沙嗓子的歌手少，只不过是沙嗓子的歌手因其音色的独特而更为人们所瞩目罢了。
对沙嗓间的崇尚并不是流行歌曲演唱中所独有的审美指向，在各国的民间音乐，尤其是我国的戏曲中，沙哑音色早已是习以为常的一种表现手段了。问题的关键并不在于音色的沙哑上，而是这种音色所能表现的情感的力度和深度。当人的情感达到极端状态时，常会伴随出现嗓音的沙哑。这种音色有时也会与某种特定的审美意象相联系：粗犷强悍的阳刚美，饱经沧桑的成熟美，这些都理颇具偶像魅力的。此外，流行歌曲中常见的反叛、挣扎、调侃和嘲讽等内容也适合于用沙哑的音色来表现。

　　 嗓音沙哑的歌手在演唱不同类型的歌曲时，会对音色稍作调整，以适合歌曲的表现需要。如罗大佑唱《超级市民》时声音偏“破”偏“炸”，唱《痴痴的等》时偏“哑”偏“压”，而《沉默的表示》就干净柔和了许多。
每个人的嗓音都有其特定的音色。尽管这种音色有一定的伸缩性和可塑性，但嗓音的调整改变是有限度的，超出了限度，就会引起发声器官的疲劳。时间长了，还会引发病变。有许多声音甜美的歌手就是因为盲目模仿沙嗓子而毁坏了声带。断送了自己的艺术前程。

假声与气声

　　 所谓“假声”是指演唱时通过有意识的控制而只使部分声带发生振动所发出来的声音，这种声音比由整个声带都振动的“真声”要高要弱，而且音色有一种晶亮透明的感觉。

　　 大部分流行歌手（无论男女）是用真声演唱的，以获得一种自然、亲切、贴近口语的风格。有些女歌手（如齐豫、黄莺莺）在演唱音域较宽、艺术性较强的歌曲时则以假声为主的。男歌手在演唱伴唱声部时常用假声，如美国的“西蒙与伽芬科尔”重唱组中的伽芬科尔，和台湾“优客李林”重唱组中的林志炫等。这也是乡村音乐风格重唱的一个重要特征。但像“摩登谈话”（Modern Talking)中的主唱那样的纯用柔美的假声来演唱的男歌手是不多的。

　　 发出优美的假声的关键是要有比较高的发声位置，在运用假声时要注意真假声之间衔接转换的光滑流畅，不能有断裂。一般说来，假声比较缺乏力度，但在必要时也可将假声转换成一种半真半假、半嘶半哑的叫喊。许多重金属摇滚乐歌手就喜欢用嘶哑的假声来演唱。

　　 假声还可以作为一种修饰声音的方法，将真假声结合在一起的“混合声”能产生一种柔和、细腻、略带飘渺的艺术效果。比较一下童安格与屠洪纲演唱的《生命过客》，前者是用纯粹的真声，而后者用的是介于真假声之间的音色来演唱的。刘欢和齐秦演唱的《大约在冬季》也有这样的区别。

　　 童安格的《忘不了》、伍思凯的《特别的爱给特别的你》所使用的真假声间的突然转换，朱哲琴的《一个真实的故事》结尾处用假声演唱的华彩段，都是流行歌曲中常见的假声应用方法。惠特妮.休斯顿的《所有的爱都留给你》中先用温馨的混合声在中低音区轻轻吟唱，然后用挺拔高亢的真声将歌曲逐渐推向高潮，及至歌曲的最高点，突然改用极柔美的假声。这是在演唱中运用真假声的转换变化来表现起伏跌宕的情感的一个优秀的范例。

　　 国内常有所谓的“气声唱法”。其实“气声”并不成其为一种“唱法”，而是一种声音运用技巧。气声本无语格调高下之分，关键是不能滥用。若能抓准时机，运用得当，可以起到画龙点睛的作用。如美国歌星莱昂纳尔.里奇演唱的《你好》（Hello)在副歌处先是用激昂的声音反复铺陈，最后用气声轻轻送出一声“I love you”，很有表现力。台湾的邓丽君也是一位十分善于运用气声的歌手，与气声类似的还有“泣声”和“破音”。运用时也必须非常的谨慎。

　　 “泣声”就是在歌声中掺入一些抽泣、哽咽的成分。包娜娜演唱《掌声响起》中“我的眼泪忍不住掉下来”的“掉”字上就非常得当地加了一点“泣声”。玛多娜唱过一首《这里爱情不复存在》（Love is not here any more)，从头至尾“泣声”不绝，但在具体处理上很有层次。先是轻轻抽泣，然后从呜咽到放声痛哭，直至泣不成声。流行歌坛上还有一些被称为“催泪人”（Tearjerker)的歌手，如美国的埃迪.费谢（Eddie Fisher)、汤姆.琼斯（Tom Jones)，他们的声音中总是带着一些“哭泣”。张学友和潘越云也善于在演唱时运用“哭腔”。以强气流冲击声带所造成的“破音”也是一种很有表现力的声音装饰技巧，刘欢演唱的《我心中的太阳》最后一句中的“我”字上就用了一点。

摇摆

　　 流行歌曲的伴奏部分一般都有一个打击乐器和低音乐器提供的基本节奏，这个基本节奏往往是比较稳定而鲜明的，而演唱者通常会在这个伴奏节奏之上对旋律的节奏作一些细微的伸缩变化，以打破其律动的方整性。这种处理称为“摇摆感”（Sense of Swing)。

在长音之前常往后拖一拖：

《故乡的云》
有时又往前赶一赶：

《痴痴的等》

各种大拍子的连音（如四分音符的三连音）也是形成这种节奏变化的常用手段：

《无尽的爱》（Endless Love）

　　 经常使用切分节奏是流行歌曲的一个重要特征。欧美流行歌曲中经常会出现长时间的连续切分，使伴奏中的基本节奏与声乐主旋律之间形成错位，造成一种“悬浮”的效果。
　　 如“比吉斯”小组（Bee Gees)演唱的《你的爱有多深》（How Deep is Your Love):

　　 还有的歌曲中运用了许多细微的切分节奏，能产生一种独特的韵律。如美国歌星迈克尔.杰克逊演唱的《拯驹烩世界》(Heal the Worle)：

华彩

　　 华彩是演唱者对歌曲的基本旋律进行即兴装饰变化的一种手段，在民间歌曲、古典美声歌曲的演唱中都很常见，在流行歌曲，尤其是爵士风格的歌曲中，更是一种十分重要的表现手法。

　　 电影《监狱枭雄》（Unchained)中有一段器乐演奏的配乐，其中的一段旋律是这样的：

　　 “棒小伙”（Righteous Brothers)演唱组唱的《锁不住的旋律（Unchained Melody)是将这段旋律填上歌词而成的。他们在演唱时用旋律华彩的技巧来加以润饰，这段旋律就变成了这样：

　　 电影《保镖》中的插曲《我将永远爱你》（I Will Always Love You)原先也是一首纯朴的乡村歌曲，惠特妮.休斯顿在演唱时加入了许多花腔，使歌曲变得华丽奔放：

　　 花腔还时常作为一种“变奏”手段，在乐句或乐段重复时使用，以使音乐获得更大的发展动力，就像台湾歌星杨庆煌演唱的《会有那么一天》中那样：

　　 有时花腔还可作为伴唱，与未经装饰的旋律原型同时陈述。下面是英国歌星罗德.斯蒂沃特演唱的《航行》（Sailing)：

　　 歌曲的结尾处也是展示花腔的好时机，如美国黑人歌星阿隆、奈维尔演唱的《无需知道太多》（Don't Know Much)的结尾：

　　 华彩需要高超的演唱技能。歌手必须对于真假声转换、颤音、顿音和快速的旋律跑动等高难度技巧都能驾驭自如。华彩还需具备即兴创作旋律的才能。这种创作并不是毫无根据的凭空捏造，而是以歌曲的旋律走向、和声框架、情绪发展和艺术风格等因素为依据的。就其本质而言，华彩是歌手在处于高度激情状态中的一种下意识的表现，而这种表现的成败优劣则取决于歌手平时的艺术感觉、修养和积累。